Renacimiento
Renacimiento
1. INTRODUCCIÓN:
COORDENADAS HISTÓRICAS, CRONOLOGÍA Y CARACTERÍSTICAS GENERALES DEL RENACIMIENTO
1.1. Los Orígenes
italianos
- Este movimiento nace en
Italia, país que tenía más cerca las fuentes que ahora van a servir de
inspiración a los artistas renacentistas. Italia estaba salpicada de
innumerables retos del Antiguo Imperio Romano, de los que los humanistas
sacarán las mejores enseñanzas.
- Además en Italia nunca se perdió el
espíritu clásico, conservándose incluso, en cierta medida, durante toda la Edad
Media, durante el Románico y el Gótico.
- No hay que olvidar tampoco que es aquí
uno de los lugares donde se desarrolla la nueva economía, apareciendo una nueva
sociedad, que tiene unos nuevos intereses y que necesita un nuevo lenguaje.
1.2. Cronología del
renacimiento en Italia
1.2.1. El
"Trecento"
- Durante el siglo XIV comienza su
gestación, aún en pleno Gótico.
- En escultura los Pisano y en pintura los
Primitivos Italianos de la Escuela de Florencia y de la Escuela de Siena nos
permiten ya hablar de un Proto-Renacimiento. Como centro artístico
destacan las ciudades de Pisa, Florencia o Siena.
1.2.2. El
"Quattrocento"
- El siglo XV es la etapa de desarrollo,
todavía experimental.
- Surge una nueva estética, un nuevo
sentido de la belleza, un nuevo estilo, el Renacimiento (término acuñado por
Vasari en el siglo XVI), debido a que "renacen" los ideales de la
antigüedad clásica, la cultura grecorromana, pero no es una imitación, sino un
punto de partida para el nuevo espíritu y para las nuevas realizaciones del
hombre. La capital artística de este primer Renacimiento es Florencia.
1.2.3. El
"Cinquecento"
- El siglo XVI es el momento del pleno
Renacimiento. Como centro del arte la ciudad de Roma.
1.2.4. El Manierismo
- - Hacia la tercera década del siglo XVI
se produce una reacción anticlásica que ponía en cuestión los ideales de
belleza del Renacimiento vistos más arriba.
- El origen del concepto de Manierismo
está en la expresión italiana "alla maniera di...", es
decir siguiendo la línea de Miguel Ángel, Rafael, Leonardo. La época del
Manierismo es de cambios políticos (Italia campo de batalla entre España y
Francia, "Sacco di Roma" en 1.527) y religiosos (la reforma
protestante pone en entredicho la supremacía de Roma), terminando con el optimismo
humanista.
1.3. Extensión del
Renacimiento al resto de Europa y España
- El Renacimiento será universal,
extendiéndose desde Italia al resto de Europa. Pero no será uniforme y
homogéneo, en cada país la tradición local condicionará su desarrollo y lo
llenará de matices.
- Incluso el desarrollo cronológico no se
hará de forma paralela: el estilo reinante durante el siglo XV será
el Gótico; hay que esperar hasta el siglo XVI para atisbar la nueva
estética.
1.4. Características
generales del Renacimiento: la nueva concepción del arte
1.4.1. El Humanismo
- El Humanismo cambia la concepción
medieval del hombre, el hombre vuelve a ser el centro de todas las cosas,
apareciendo un nuevo hombre que introducirá cambios en todas sus
manifestaciones, sobre todo en la cultura y el arte, ya que el nuevo hombre
necesita un nuevo lenguaje a su medida.
1.4.2. El Racionalismo
- No se trata sólo de la aparición de un
nuevo lenguaje formal, aparecen nuevas exigencias vitales e intelectuales que
afectan a la idea misma del arte, produciéndose cambios radicales por la nueva
situación del artista y de la obra de arte, por el valor teórico de los modelos
y por el planteamiento científico y racional del arte.
- La realidad es comprendida a través de
la razón y los artistas investigan racional y científicamente ciertos aspectos
de la arquitectura, la pintura o la escultura antes de llevar a cabo sus obras.
1.4.3. La desaparición
del anonimato artístico: El artista
- Como consecuencia del protagonismo del
hombre en esta época, desaparecerá el anonimato artístico, se comienza a
valorar al autor, basándose a partir de ahora la Historia del Arte en los
artistas en lugar de en las obras de arte.
- También habrá una mayor valoración de la
propia actividad artística, dejará de ser un oficio para convertirse en una
ciencia y en un arte.
1.4.4. La figura del
mecenas
- Son los protectores de los artistas,
quienes los incentivan, los animan a crear e incluso en ocasiones los
mantienen.
- Son miembros de familias acaudaladas
sensibilizados con el arte
(los Médici, Uficci, Rucellai, Pitti o Strozzi,
en Italia o los Mendoza en España) solían ser coleccionistas de obras de arte,
proporcionando así gran número de encargos.
1.4.5. Los tratadistas,
críticos y biógrafos
- Aparecen los teóricos del arte, que
recogen en su obra escrita las experiencias artísticas pasadas y presentes.
- Extensa obra escrita durante los siglos
XV y XVI, a la que hay que unir la reedición de antiguos tratados, como el de
Vitrubio.
1.4.6. El estudio de los
prototipos clásicos y de la naturaleza
- Además de estudios teóricos los artistas
del Renacimiento estudian directamente los prototipos clásicos. Se fomentó la
arqueología, lo que facilitó al artista el conocimiento directo de las obras de
la antigüedad, difundidas por toda Europa gracias al desarrollo del grabado.
- El Renacimiento supuso también el
descubrimiento de la naturaleza, que se hace patente en los fondos de la
pintura o el esfuerzo por representar la anatomía.
- Pero se trata de un naturalismo
idealizado, se representa la idea perfecta de cada ser, persona o cosa, no
apareciendo imperfecciones ni deformidades.
1.4.7. Las ideas
antropométricas: orden, proporción y armonía
- Junto con la idealización debemos
mencionar aquí también la obsesión renacentista por el orden, la proporción y
la armonía, que transmitan serenidad, mesura, equilibrio, etc.
- La figura humana será el centro de
interés de la obra de arte, que seguirá siempre sus proporciones, sus medidas.
- El arte, la arquitectura, la escultura y
la pintura, logra encontrar la medida del hombre, establece proporciones
sencillas, ceñidas a una geometría simple y comprensible.
1.4.8. La visión
unitaria
- Belleza no sólo en las proporciones,
también en el sentido unitario de la obra, un la visión unitaria que ofrece: la
obra de arte debe presentarse al espectador simultáneamente y en su conjunto,
debe ofrecerse unida.
- En arquitectura el espacio interno se
ofrece de una sola vez.
- En escultura o pintura el cuadro
presenta una composición unida, predominando la perspectiva central.
2. LA ARQUITECTURA DEL
RENACIMIENTO EN ITALIA
2.1. Características
generales
- Frente a las formas góticas oponen las
formas y principios de la arquitectura clásica, pero no se trata de una copia
sin más de los mismos, sino de una interpretación de las leyes en que se basaba
el arte clásico; se parte de los órdenes y demás elementos arquitectónicos
griegos y romanos, pero modificando sus proporciones, etc.
- Toman como fundamento las formas básicas
geométricas claramente perceptibles: círculo, cuadrado, cubo, etc., mostrando
especial preocupación por las proporciones matemáticas de las construcciones,
tanto en las estructuras como en las plantas establecen unas relaciones simples
de longitud, altura y profundidad, conseguidas a partir de módulos y de
minuciosos cálculos matemáticos, existiendo un equilibrio entre las dimensiones
de la planta y la altura, sin predominar lo vertical sobre lo horizontal.
2.2. Los arquitectos
del Quattrocento (siglo XV)
- Florencia es el centro más importante de
este período, bajo el mecenazgo de los Medici.
- Se caracteriza por: los estudios
científicos basados en la perspectiva y en la idea de la proporción; la segunda
mitad del siglo se distingue por la abundante y menuda decoración.
A) Filippo Brunelleschi
- La figura más significativa
de la arquitectura del Quattrocento, auténtico creador del estilo
renacentista: Presta especial interés a las proporciones; compagina lo
monumental con la minuciosidad decorativa.
Cúpula de Santa María dei Fiori
- De la Catedral de
Florencia, levantada en el siglo XIV. Debía cubrir el espacio del cimborrio con
una cúpula de 42 metros, como la del Panteón de Agrippa, en la que se
inspira. Sobre un tambor octogonal de 13 m, con grandes ventanas redondas, de finales
del XIV: necesidad de ingeniosas soluciones para que el tambor soporte los
empujes oblicuos; la cúpula consta de dos cascarones, el exterior de más altura
para ejercer un empuje más vertical; además utiliza ladrillos huecos para
aligerar el peso. Obra maestra por su ingenio constructivo, por su belleza y
por la pureza de sus formas.
Iglesias de San Lorenzo y del Santo Espíritu de Florencia
- Con todos los
elementos arquitectónicos clásicos: columnas, arcos de medio punto, etc. Con el
fin de conseguir columnas más esbeltas introduce entre el capitel y el arco una
porción de entablamento para dar mayor altura.
- Inspirada en las
basílicas romanas, de planta de cruz latina, pero desglosada en compartimentos
cuadrados (volúmenes geométricos), belleza en la proporción entre las partes
del edificio.
- Ejemplo de la visión
unitaria del Renacimiento, puede contemplarse desde un solo punto del edificio.
- También cambia la
decoración, temas animales y vegetales grotescamente entrelazados, denominados
"grutescos".
Fachada del Hospital de los Inocentes de Florencia
- Destacan su horizontalidad y el pórtico de arcos y columnas clásicas
con tondos policromados en las enjutas.
Capilla Pazzi
- Con cúpula sobre pechinas sobre planta cuadrada y pequeñas bóvedas de
medio cañón en los brazos, muy cortos. Destaca su exterior, con pórtico de
entrada en el que el arco central rompe el dintel.
Palacio Pitti
- Modelo de palacio
típicamente renacentista, sin la torre característica de los góticos. Destaca
su aspecto de solidez gracias a los paramentos de sillares almohadillados y al
predominio de la horizontalidad.
B) León Bautista Alberti
- Erudito y estudioso de la
Antigüedad, escribe varios tratados, entre ellos "De re aedificatoria":
para Alberti la belleza radica en los principios matemáticos, en las
proporciones de sus partes y en las formas geométricas (círculo y cuadrado);
crea diversos tipos arquitectónicos, la iglesia de nave única con capillas
entre contrafuertes (precedente de las iglesias jesuíticas barrocas), la
fachada inspirada en los arcos de triunfo romanos, etc.
Finalización de la fachada de la Iglesia de Santa
María Novella de Florencia
- Alberti diseñó la gran puerta central, los frisos y el complemento
superior de la fachada, en mármol blanco y verde oscuro, armonizando los
elementos previos góticos con los nuevos, puramente renacentistas.
Templo Malatestiano de Rímini
- Templo inacabado en el
que transpone los elementos clásicos, como la fachada como un arco de triunfo
romano.
Templo de San Andrés de Mantua
- Templo de una sola nave cubierta por una poderosa bóveda de cañón, con
pequeñas capillas laterales y cúpula en el crucero, será el precedente ilustre
de la iglesia jesuítica de Vignola. En su fachada potencia la idea del
anterior, más puramente renacentista, arco de triunfo romano y templo clásico
fundidos en armonía perfecta, destacando sus dos escalas distintas de
pilastras, lo que le da movilidad a la decoración de la fachada. Aunque la
iglesia se terminó siglos después el proyecto y las armoniosas proporciones del
conjunto se deben a Alberti.
El Palacio Rucellai de Florencia
- Sigue el
esquema brunelleschiano de palacio, pero rompe la monotonía del
paramento con pilastras adosadas, lo que le da un aspecto más clásico.
C) Michelozzo Michelozzi
- Perteneciente a una generación
posterior, concede una gran importancia a la decoración.
Palacio Médici-Ricardi de Florencia
- Gradación de la
pesadez de los paramentos horizontales, desde el almohadillado inferior al casi
liso superior.
2.3. Los Arquitectos
del Cinquecento (siglo XVI)
- La capitalidad del arte pasa de
Florencia a Roma, bajo el mecenazgo de los Papas (Julio II, León X y Sixto V).
- Para demostrar el poder creciente de la
Iglesia y el Estado se recurre al clasicismo: se utilizan con mayor rigor los
órdenes clásicos; es un arte solemne y monumental pero se huye de todo
colosalismo deshumanizado, predominando la medida, el equilibrio y la
proporción; disminuye, prácticamente desaparece, la menuda decoración anterior,
prefiriéndose una decoración basada en los efectos monumentales de los
elementos arquitectónicos; empleo de frontones triangulares y semicirculares en
combinación; se impone el uso de plantas centralizadas con cúpula símbolo del
orden divino existente en el universo.
A) Donato Bramante
- Se inicia bajo las formas
anteriores pero cambia hacia un nuevo clasicismo: cautivado por las ruinas
romanas, por sus volúmenes grandiosos y sus perspectivas colosales; muestra
preferencia por las estructuras simples, es lo constructivo lo que le interesa
especialmente; se interesa por los problemas de geometrismo, perspectiva y
simplicidad, características de toda la arquitectura del XVI.
San Pietro in Montorio
- Pequeño templo circular sobre gradas circulares y rodeado de columnas
lisas en el piso bajo. En el piso de arriba cuerpo circular rodeado por una
balaustrada. Todo ello coronado por una proporcionada cúpula. Sobriedad,
elegancia y robustez puramente romanas.
- Julio II le encomienda el proyecto, de dimensiones desmesuradas,
introduciendo el cemento como material para poder realizar esta monumental
obra.
Proyecto de San Pedro del Vaticano
- De planta de cruz
griega, con cuatro brazos iguales y cuatro entradas, con una gran cúpula en el
centro, sobre alto tambor de columnas clásicas, cuyo peso es contrarrestado por
otras bóvedas laterales. En la maqueta aparece rodeada de torres y torrecillas
que finalmente no se realizarán.
B) Antonio Sangallo,
el Joven
- Sigue la línea de sobriedad
de Bramante, característica del Cinquecento romano tanto en
arquitectura como en escultura y pintura.
El Palacio Farnesio
- Crea el modelo de
palacio cinquecentista romano: abandona el almohadillado florentino;
las ventanas adinteladassin parteluz; alterna frontones curvos con
rectilíneos, lo que da movilidad a la fachada.
- En el interior
columnas adosadas y superposición de órdenes.
C) Miguel
Ángel Buonarroti
- Considerado como el
iniciador del Manierismo en arquitectura, busca los grandes efectos espaciales.
San Pedro del Vaticano
- En 1546 el Papa Paulo II le encomienda a Miguel Ángel la continuación
de las obras, tras haberlo hecho antes Rafael, quien modificó la planta de cruz
griega a latina, y Sangallo. Tras él finalmente terminarán las obras Della
Porta y, ya en el Barroco, Maderno y Bernini.
San Pedro del Vaticano
- Levanta la cúpula
sobre tambor, fijando el modelo definitivo de cúpula en occidente, con
poderosos contrafuertes subrayados por parejas de órdenes corintios, que se
continúan en los nervios de la cúpula, que es de doble casquete, como la
de Brunelleschi. Miguel Ángel también modifica el proyecto: desaparecen
torres y torrecillas, una sola entrada, con pórtico adintelado y doble
fila de columnas exentas.
+ La escalera de la Biblioteca Laurenciana
- En un escaso espacio logra dar la impresión de gigantesca majestad y muestra ser un maestro en el manejo de las masas, los espacios y la luz. Muy original es la alternancia de escalones de dinámicas curvas con otros de estáticas rectas, llenándola de ritmo y movimiento.
- Revolucionario al
transformar las normas clásicas: tímpanos rotos, pilastras invertidas y
adelgazadas en la parte inferior, columnas introducidas en el paramento del
muro y de ningún orden concreto.
Sacristía de San Lorenzo
- Sala como aposento
funerario, en ella realiza las tumbas de Giuliano y Lorenzo de
Médicis, las tumbas aparecen embutidas en el muro, integrándose perfectamente
arquitectura y escultura.
- Sigue el ejemplo de la Plaza de Pienza de Rosellino,
el conjunto urbanístico más acabado del Quattrocento.
Ordenación de la Plaza del Capitolio en Roma
- Plaza rodeada de
edificios solemnes y venerables, adintelados y decorados con
pilastras; en el centro la estatua ecuestre de Marco Aurelio sobre un pedestal
especialmente hecho para ella por él; de planta trapezoidal para dar más
énfasis a la perspectiva, en conjunto produce un efecto de decoración escénica.
2.4. Los Tratadistas del
Clasicismo
- A mediados del XVI ya se ha alcanzado la
madurez del estilo, no aportan nada conceptual ni estructural nuevo, pero sí
más cantidad de elementos arquitectónicos con fin decorativo.
A) Jacopo Vignola
- Conocido por su tratado
“Degli Ordini”.
Iglesia del Gesú en Roma
- Crea el tipo de iglesia jesuítica y del espíritu de la Contrarreforma, siguiendo las ideas de Alberti, de concepto distinto que el de los anteriores templos renacentistas: planta de cruz latina con nave central muy ancha con tribuna y capillas laterales bajas y oscuras; la capilla mayor y crucero con mucha luz y profusamente decorados; estos juegos de luces y sombras y la abundante decoración acercan esta arquitectura al Barroco.
El palacio de la Villa Farnese en Caprarola
B) Andrea Palladio
- Su ideal arquitectónico
aparece en su obra “Los cuatro libros de Arquitectura”: defiende la absoluta
racionalidad frente al subjetivismo manierista, contemporáneo de estos
arquitectos y tratadistas; muy características de su obra son la sucesión
rítmica de arcos entre dinteles y el hecho de coronar las fachadas con
esculturas, que coinciden con el eje de las columnas adosadas al muro o con
grandes frontones.
La Villa Capra (la Rotonda)
- Sus casas de campo trazadas como templos: de planta de cruz griega inscrita en un cuadrado y cúpula; con cuatro fachadas idénticas, como pórticos de templos.
La Iglesia de San Jorge de Venecia
- Utiliza las formas de
la Antigüedad, pero de modo distinto: crea el "orden gigante",
columnas en dos escalas distintas; mezcla el estatismo griego con el dinamismo
romano.
El Teatro Olímpico de Vicenza
- Interpretación del
teatro romano antiguo, pero con un escenario arquitectónico muy efectista.
C) Giacomo della Porta
- Típico representante del
llamado Arte de la Contrarreforma, es considerado como introductor del Barroco.
La Fachada de la Iglesia del Gesú de Vignola en Roma
- La portada de este
templo se debe al discípulo de Vignola: dividida en varios cuerpos y con
un gran frontón
+ San Pedro del Vaticano
- Termina la cúpula
según el proyecto de Miguel Ángel.
2.5. La Arquitectura
Manierista
- Encontramos rasgos manieristas en obras anteriores,
por ejemplo la Biblioteca Laurentiana de Miguel Ángel, preludia el
Manierismo, apenas hay espacio suficiente para ella en el vestíbulo, las
columnas están dentro del muro, etc.
- El Manierismo es una época de crisis
cultural, que se manifiesta en la arquitectura poniendo en duda la validez de
lo clásico e iniciando el dinamismo protobarroco:
+ Frente a la
objetividad absoluta del ideal del Renacimiento se acentúa la individual del
artista.
+ Los arquitectos no
aportan nuevos elementos sino que combinan de una forma nueva los ya
existentes, multiplican los elementos arquitectónicos empleando los de un modo
arbitrario.
+ Se apartan del
racionalismo renacentista, no se busca la proporción ni la armonía.
+ Se buscan efectos
sorprendentes y pintorescos, etc.
- Ejemplos:
+ Palacio y Pasaje de
los Uffizi de Florencia, de Vasari: dos fachadas
afrontadas que generan un espacio muy estrecho, que favorecen la perspectiva.
Palacio y Pasaje de los Uffizi de Florencia, de Vasari
+ Patio interior del
Palacio Pitti de Florencia, de Ammannati: el almohadillado
recubre las columnas desdibujando su función estructural.
3. LA ARQUITECTURA DEL RENACIMIENTO EN
ESPAÑA
3.1. La aparición del
Renacimiento en España: cronología y contexto histórico
- Las intensas relaciones que España
mantenía con Italia, como consecuencia de las múltiples campañas impulsadas por
Fernando el Católico por el dominio que la corona de Cataluña-Aragón ejercía
sobre Nápoles y Sicilia y por el continuo intercambio de artistas y
materiales entre los distintos estados italianos y la monarquía hispánica,
permitieron que la esencia del Renacimiento fuera asimilada ya a finales del
siglo XV y se extendiera a lo largo del siglo XVI.
- Las características sociales de la
España del momento distaban bastante de las que se habían observado en Italia
en el período de gestación del Renacimiento: mientras en Italia el
resurgimiento de la actividad comercial y del mundo urbano marcaron el contexto
en que se desarrolló el Renacimiento naciente, en España, en cambió, en los
albores del siglo XVI el fenómeno mercantil sólo se daba con fuerza en Cataluña
y Valencia; al mismo tiempo, si en Italia la aparición de la burguesía y
su enriquecimiento hicieron posible que dicha clase social se
convirtiera en uno de los principales clientes de los artistas renacentistas,
en España eran la iglesia, la nobleza y la monarquía absolutista las que
seguían ostentando el poderío económico; sin embargo las circunstancias
políticas del momento, profundamente marcadas por la consecución de la unidad
nacional y por el descubrimiento del Nuevo Continente a finales del siglo XV,
hacían de España un reino con grandes perspectivas, lo cual también facilitó la
penetración de Renacimiento.
- Todo esto explica que el Renacimiento en
España se mantenga bajo la tutela de la nobleza, la Corte y la Iglesia, quienes
establecerán cuáles son las necesidades que debe satisfacer el arte.
3.2. La arquitectura del
Renacimiento Español
- La arquitectura del Renacimiento español
se puede estructurar en tres fases o períodos: Estilo Plateresco, Estilo
Purista o Clasicista y Estilo Herreriano. No obstante, es preciso hablar
previamente de la evolución que sufren las formas arquitectónicas a lo largo
del siglo XV para llegar a lo que se considera propiamente arquitectura
renacentista y comprender cómo se ha ido gestando el lenguaje artístico del
nuevo estilo.
A) La evolución de las
formas arquitectónicas a finales del siglo XV
- A principios del siglo XV las formas
arquitectónicas presentan una claridad absoluta y una decoración suave y
moderada que irá evolucionando hacia una decoración excesiva, cuya máxima
expresión se dará durante el reinado de los Reyes Católicos. Los artistas
trabajan, en la mayoría de los casos, al servicio de una clase noble adinerada
o de los propios reyes y ponen de manifiesto a través de sus obras sus deseos
de grandeza.
- Así, paulatinamente, las
líneas arquitectónicas se irán recargando de ornamentación hasta ver totalmente
desdibujadas sus formas; éste es el estilo que caracteriza la construcción
de San Juan de los Reyes en Toledo, de Juan Guas,
probablemente la obra más representativa del período, que ha recibido el nombre
de Estilo Isabelino. Como ejemplo de transición de este final
del Gótico al Primer Renacimiento podemos citar otra construcción de
este mismo arquitecto, JuanGuas, el Palacio del Duque del Infantado de
Guadalajara, en cuya fachada podemos apreciar una mezcla de características
de ambos estilos.
B) El Primer
Renacimiento: El Estilo Plateresco
- Este estilo arquitectónico se desarrolla
cronológicamente en la primera mitad del siglo XVI, correspondiendo con el
reinado de Carlos I de España y V de Alemania, y geográficamente se ubica
principalmente en Castilla, concretamente en las ciudades de Burgos, Toledo,
Guadalajara, Salamanca y Valladolid; posteriormente, la primacía artística
pasará sobre todo a Sevilla, aunque otras ciudades españolas
contarán también con obras pertenecientes a este estilo.
- Se trata de un estilo ornamental que
abarca desde las últimas obras del Gótico Flamígero hasta la consolidación de
las formas plenamente renacentistas libres de pervivencias góticas y
platerescas, es decir, hasta lo que se denomina Estilo Clasicista por su clara
influencia italiana.
- La característica fundamental que define
el Estilo Plateresco es la profusión decorativa, que combina simultáneamente
elementos de influencia italiana con otros hispanos: medallones, escudos,
balaustradas y figuras humanas, animales o vegetales entrelazadas, los
denominados grutescos, se conjugan con habilidad y cubren las superficies de
los edificios hasta desdibujar sus originarias líneas puras. Esta
característica le valió la denominación de “plateresco”, al comparar su
minuciosa decoración con la tarea propia de los plateros y
orfebres.
- Se incluyen también en el
Plateresco obras arquitectónicas del denominado Estilo Cisneros,
construidas en Toledo bajo el influjo de dicho cardenal, la mayoría obra del
arquitecto Pedro Gumiel y se caracterizan por la fuerte influencia
del Estilo Mudéjar.
- Las obras arquitectónicas y los artistas
más significativos del Estilo Plateresco son los siguientes:
+ La Puerta de la
Pellejería de la Catedral de Burgos, de Francisco de
Colonia: a modo de un retablo de tres cuerpos, en el primero destaca la
arquivolta de medio punto, esculturada; en el segundo el martirio de S. Juan
Bautista y el de S. Juan Evangelista; y en el tercero la imagen de Virgen;
otras estatuas en las calles laterales, así como los escudos del Cabildo y de
Fonseca; los entablamentos, columnas y arcos están primorosamente recamados con
ornamentación plateresca.
+ La Escalera Dorada de la Catedral de Burgos, de Diego
de Siloé: esculpida con una gran riqueza iconográfica, motivos
vegetales, animales fantásticos, esfinges, bichas y otros animales que se distribuyen
a lo largo de los muros y arcos de la escalera; destaca también por su
clasicismo y el aprovechamiento de tan escaso espacio
+ El Paraninfo de la Universidad de Alcalá de Henares,
de Pedro Gumiel: cubierto el techo con exquisito artesonado
mudéjar y sus muros con yeserías platerescas.
+ De Lorenzo
Vázquez destacan: El Colegio de la Santa Cruz de
Valladolid, que tiene la fachada decorada con sillares almohadillados,
arcos de medio punto, entablamento, motivos heráldicos y remate en balaustrada;
y elPalacio de Medinaceli en Cogolludo, que en su fachada lleva
sillares almohadillados pero hay una clara reminiscencia de lo gótico.
+ La Fachada de la Universidad de Salamanca, de autor
anónimo: esculpida en el primer tercio del siglo XVI, se divide en tres cuerpos
por encima de dos arcadas, en el primero aparece un medallón con los Reyes
Católicos y una inscripción en griego, en el central se encuentra el escudo
imperial de Carlos V, y en el superior se halla la figura del Papa con dos
cardenales; se trata de una fachada muy decorada, que recuerda a un retablo,
con calles y cuerpos, con medallones, escudos, motivos heráldicos, remates en
crestería, decoración calada imitando a una cresta, con elementos ornamentales
que imitan candelabros u otros elementos constructivos, arquitectónicos o
simplemente abstractos, con grutescos, etc.
+ Fachada de la Iglesia de San Esteban de Salamanca,
de Juan de Álava: uno de los más bellos ejemplos de plateresco,
está concebida como portada-retablo formando un arco de triunfo bajo cuya
bóveda de medio cañón se despliega la abundante decoración característica del
estilo; en su centro se representa el martirio de San Esteban y por encima un
Calvario.
+ El Palacio de Monterrey de Salamanca, de Rodrigo
Gil de Hontañón: prototipo del palacio con torres y decoración rica y
suntuosa, erigido por la gran nobleza; consta de tres pisos con molduras y
rematado por una típica galería de crestería y arcadas renacentistas con
medallones en las enjutas; los balcones y ventanas tienen ornamentación
plateresca; en las esquinas leones y animales fantásticos sostienen escudos de
armas.
C) El Clasicismo
Renacentista: El Estilo Purista
- Este estilo coexiste con el plateresco
durante los años centrales del siglo XVI y muchos de los arquitectos que lo
representan son también autores de obras de Estilo Plateresco.
- El Estilo Purista o Clasicismo
Renacentista se caracteriza por un retorno a las formas clásicas, al gusto
italianizante, por una implantación de aquellas formas arquitectónicas que han
definido al Renacimiento italiano. Como consecuencia la arquitectura recobra su
esencia y su principal preocupación se centrará en los
espacios, concebidos como un todo unitario en el que unas partes no
se acentúan más que otras. Se imponen los arcos de medio punto, los
almohadillados en los muros y los edificios adquieren un aspecto más sereno,
armónico y equilibrado. La decoración, aspecto fundamental del estilo
inmediatamente anterior, pasará a ocupar un segundo plano, generalmente sólo
cubre puertas y ventanas, limitándose a algunos elementos concretos,
generalmente de inspiración clásica.
- Las obras arquitectónicas y los artistas
más significativos del Estilo Purista o Clasicismo son los
siguientes:
+ La Fachada de
la Universidad de Alcalá de Henares, de Rodrigo Gil
de Hontañón: de tres cuerpos con gran número de elementos decorativos,
frontón con las armas imperiales y galería tradicionalmente española; sus arcos
de medio punto, las columnas corintias adosadas y los frontones semicirculares
en los vanos suponen una evolución hacia normas de más claridad y clasicismo.
+ De Alonso de Covarrubias destacan: los Patios y las Escaleras del Hospital de la Santa Cruz de Toledo, edificio en el que intervienen desde finales del siglo XV varios maestros isabelinos y platerescos, pero Covarrubiasimpondrá una mayor monumentalidad y sobriedad decorativa, sobre todo en sus arquerías y escaleras, típicas renacentistas; la Fachada del Alcázar de Toledo, edificio de fuerte geometrismo, con planta cuadrada en torno a un patio central también cuadrado con torres angulares; la fachada muestra gran horizontalidad, con tres cuerpos, que rematan en balaustrada; entre elementos típicamente renacentistas, citamos los frontones de las ventanas, los arcos de medio punto, los sillares almohadillados, y la decoración con escudos; el patio con columnas y arcos de medio punto; y la Puerta de Bisagra de Toledo, puerta de acceso a la ciudad de Toledo en la muralla, con la entrada está flanqueada por dos torres y la decoración, a base de frontones y sillares almohadillados, está presidida por un gran escudo heráldico del emperador.
+ El Palacio de Carlos V de Granada, de Pedro Machuca: representa la introducción del clasicismo italiano en la arquitectura civil española, el proyecto es originalísimo en el concepto, sobre todo por la inserción del patio circular porticado en el cubo externo y la armoniosa distribución de las fuerzas; la fachada tiene dos cuerpos, el inferior de sillería almohadillada con ventanas cuadradas y circulares y el superior con columnas adosadas y vanosadintelados, todo el conjunto remata en una enorme cornisa; se utiliza la superposición de órdenes, tanto en el patio como en el exterior, toscano en el cuerpo inferior y jónico en el superior.
+ La Catedral de Granada, de Diego de Siloé: comenzada por Enrique Egas en estilo gótico, Siloé tuvo que adaptarse al plano primitivo y buscar un sistema moderno que se adaptara a sus elevadas proporciones, una vez desechados los elementos constructivos góticos, convirtiéndola finalmente en uno de los edificios más destacados del estilo renacentista español; destaca la organización de su cabecera, como un enorme espacio central cubierto con una gran cúpula, al modo de los edificios funerarios de la época romana; en el sistema de alzados se pueden observar referencias al arte de Filippo Brunelleschi con unos grandes pilares sobre cuyos frentes se apoyan medias columnas corintias, duplicando la altura de las naves con un segundo cuerpo de soportes sobre el entablamento del primero; sobresale también la portada del Perdón, concebida a modo de un gran arco de triunfo.
+ De Andrés de Vandelvira La Catedral de Jaén, de tres naves separadas por pilares cruciformes con columnas y entablamentos corintios, con amplios arcos que soportan bóvedas baídas ricamente decoradas; La Capilla de San Salvador de Úbeda, capilla funeraria que comenzó a construirse bajo la dirección de Diego Siloé, sustituido cuatro años más tarde por Vandelvira, que incorporó las portadas laterales y la sacristía, Esteban Jamete desarrolló la fachada principal del templo, con un mensaje escultórico alusivo a la muerte, la gloria familiar, al honor y a Cristo Salvador; El Palacio de las Cadenas de Úbeda, muestra de la arquitectura civil del renacimiento andaluz de gran clasicismo y originalidad; destaca su fachada, con elementos clásicos, como los frontones, y animada con claraboyas elípticas y cariátides en el piso superior.
D) Arquitectura del Bajo
Renacimiento Español: El Estilo Herreriano
- Este estilo arquitectónico, el Estilo
Herreriano o Escurialense, cuyas manifestaciones se denominan también
Arquitectura del Bajo Renacimiento Español, ocupa el último tercio del siglo
XVI, bajo el reinado de Felipe II.
- El estilo anterior se ve interrumpido
por la introducción de formas del Cinquecento italiano y los
postulados del Manierismo, caracterizadas por una gran sobriedad decorativa,
conectando perfectamente con la austeridad que propugnaba la Contrarreforma,
debiéndose también su triunfo al hecho de ser un estilo propio y nacional.
- El nombre que recibe el estilo deriva
de Juan de Herrera, autor de la obra clave de este período,
el Monasterio de San Lorenzo de El Escorial: las obras comienzan
bajo la dirección de Juan Bautista de Toledo, pero muere en 1567 y será
sustituido por Juan de Herrera, el auténtico artífice de El Escorial; se
caracteriza por el predominio de los elementos constructivos y la casi total
ausencia decorativa, las líneas rectas y los volúmenes cúbicos, dominando las
formas geométricas simples y la horizontalidad, rota únicamente por las torres
de las esquinas y la cúpula de la basílica, de planta de cruz griega; en
resumen, edificio monumental que representa la grandeza del Imperio español y
de su rey.
2. LA ESCULTURA DEL
RENACIMIENTO EN ITALIA
2.1. Características
generales
- El sentimiento clásico aparece antes en
la escultura que en la arquitectura, ya en la Europa Gótica.
- En el Trecento,
en Siena y Pisa, Nicolás y Juan Pisano difunden ya un arte
naturalista y moderno. Es en Italia donde este temprano brote aparece debido a
los abundantes restos de escultura romana que allí se conservaban.
- Utiliza materiales nobles como el mármol
y el bronce, con los que se alcanza gran perfección.
- Los protagonistas son el hombre y la
naturaleza, acentuándose el naturalismo, se busca la representación de la
realidad, aunque a veces ésta se idealice, se intentan crear modelos ideales,
que expresen el ideal humano tal y como se concibe en el Renacimiento. También
es importante la preocupación por la expresividad de las figuras.
- En bulto redondo se realizan bustos,
figuras de cuerpo entero, motivos funerarios y estatuas ecuestres; tampoco se descuida
el relieve, utilizándose en la misma obra el alto, medio y bajo, para dar
sensación de profundidad.
- Por último mencionar que la escultura
renacentista se caracteriza por la proporción, la simetría y el canon; aunque
continúa siendo fundamentalmente cristiana se subordina el simbolismo religioso
a la consecución de la belleza, centrando su interés en la belleza formal de
las figuras, estudiando así mismo la anatomía a través del desnudo y el
retrato. También reaparecen los temas mitológicos.
2.2. La escultura
del Quattrocento (siglo XV)
- El Quattrocento será en
escultura un siglo florentino, dominándose ya todas las técnicas y estilos.
A) Lorenzo Ghiberti
- El primer gran escultor
enteramente renacentista, aunque inicia su estilo con muchas supervivencias
formales del mundo del gótico internacional. Destaca sobre todo por la visión
pictórica de los relieves.
Segundas Puertas del Baptisterio de Florencia
- En 1.401 se convoca un
concurso para realizar las puertas que faltaban del Baptisterio de Florencia,
se presentan importantes artistas, entre ellos Brunelleschi, pero el
concurso lo gana Ghiberti. Puerta con escenas evangélicas fundida en
bronce, tanto el marco como la composición conservan elementos del Gótico
internacional, curvas de las figuras y paisaje acartonado, pero también
innovaciones clásicas, como el volumen.
+ Puerta de la Gloria
del Baptisterio de Florencia
- Auténtica revelación
de la escultura renacentista, formato cuadrado, distinto al lobulado
tradicional. Concepción pictórica del relieve, incluyendo perspectiva, paisaje,
arquitecturas clásicas e incluso atmósfera. Relieve como espacio
tridimensional, consiguiendo los efectos de profundidad graduando los volúmenes
y la definición de los contornos.
B) Donatello
- Es el más importante escultor del siglo
XV, busca siempre representar al hombre lleno de vida, mostrando su capacidad
de captación de los valores humanos en sus figuras.
- En sus obras iniciales aún formas estilizadas y curvadas propias del Gótico internacional, destaca porque la figura definitivamente se hace independiente de su posición arquitectónica.
- En pie, armado, representa la juventud desafiante y altanera que anuncia la “terribilitá” miguelangelesca.
- Crea un nuevo tipo de profeta, alejado de la iconografía medieval, de tremenda expresividad y realismo, transmitiendo la dignidad y nobleza del personaje.
- Joven pensativo y melancólico y tocado con el sombrero típico toscano, la composición invita a rodearlo y admirarlo desde todos los puntos de vista y es plenamente clásica, apareciendo desnudo, en contraposto, desnudo.
- Magistral retrato ecuestre del “condottiero” Erasmo de Narni, recordando a los mejores retratos romanos del género. Lleno de vida y expresividad, es un auténtico análisis psicológico del guerrero y el poder.
- Relieve realizado en bronce según la técnica de Ghiberti, pero la expresividad de las figuras es donatelliana. Composición audaz, el tema central a un lado, arquitecturas renacentistas al fondo, perspectiva
- Abandona en este caso el interés pictórico de Ghiberti. Narra la alegría infantil, predominando el equilibrio compositivo marcado por las columnas, que contrasta con la tensión y movimiento de las figuras.
San Marcos
- En sus obras iniciales aún formas estilizadas y curvadas propias del Gótico internacional, destaca porque la figura definitivamente se hace independiente de su posición arquitectónica.
San Jorge
- En pie, armado, representa la juventud desafiante y altanera que anuncia la “terribilitá” miguelangelesca.
El Profeta Habacuc
- Crea un nuevo tipo de profeta, alejado de la iconografía medieval, de tremenda expresividad y realismo, transmitiendo la dignidad y nobleza del personaje.
David de bronce
- Joven pensativo y melancólico y tocado con el sombrero típico toscano, la composición invita a rodearlo y admirarlo desde todos los puntos de vista y es plenamente clásica, apareciendo desnudo, en contraposto, desnudo.
El Gattamelata, Padua
- Magistral retrato ecuestre del “condottiero” Erasmo de Narni, recordando a los mejores retratos romanos del género. Lleno de vida y expresividad, es un auténtico análisis psicológico del guerrero y el poder.
Relieve del Festín de Herodes del Baptisterio de Siena
- Relieve realizado en bronce según la técnica de Ghiberti, pero la expresividad de las figuras es donatelliana. Composición audaz, el tema central a un lado, arquitecturas renacentistas al fondo, perspectiva
- Abandona en este caso el interés pictórico de Ghiberti. Narra la alegría infantil, predominando el equilibrio compositivo marcado por las columnas, que contrasta con la tensión y movimiento de las figuras.
Relieves de la Cantoría de Florencia
C) Jacopo della Quercia
- Junto
con Ghiberti y Donatello fue uno de los primeros escultores
italianos en recuperar los modelos y técnicas de la Antigüedad.
- Le interesa sobre todo la expresividad
rotunda del cuerpo humano, sin preocupación alguna por el espacio ambiental y
llenando todas las superficies con figuras.
Portada de San Petronio de Bolonia
- Relieves en piedra
sobre La Creación de Adán alejados del estilo pictórico
de Ghiberti, llenos de grandeza, figuras hercúleas y monumentales que
anuncian la obra de Miguel Ángel.
D) Luca della Robbia
- Introduce el barro vidriado,
policromado, con figuras blancas sobre fondos azules y elementos decorativos
vegetales, de rico colorido.
La Virgen con el Niño
- Es su tema más logrado
y el que realiza con mayor frecuencia.
- Serenidad, clásica en la
composición, y naturalismo, sobre todo en los pequeños gestos de las figuras
E) Andrea Verrochio
- Además de escultor pintor
también y maestro de Leonardo da Vinci.
David Joven
- Recuerda la
de Donatello, con la cabeza de Goliat entre sus pies, pero vestido y
tratando de acentuar la expresividad de la cabeza.
+ Condottiero Colleone de
Venecia
- Retrato ecuestre, más
teatral, dinámico y atrevido que el de Donatello, el personaje introducido
en la acción, buscando sobre todo la expresividad del rostro.
2.3. La escultura
del Cinquecento (siglo XVI)
- En contraposición al siglo XV, y del
mismo modo que en arquitectura, el XVI va a ser el predominio de lo romano
frente a lo florentino.
- En lo estrictamente formal, las
delicadezas cuatrocentistas y el amor el detalle menudo, van a ceder el paso a
una grandiosidad monumental y simplificadora, ya intuida en las obras
de Jacopo della Quercia.
A) Miguel
Ángel Buonarotti
- Uno de los máximos genios de la
Historia, fue poeta, pintor, arquitecto y, sobre todo, escultor.
- Su calidad excepcional y su
extraordinaria sabiduría frente a las formas del cuerpo y las complejidades del
espíritu, hacen de Miguel Ángel el prototipo universal del escultor, capaz de
expresar en mármol cualquier concepto, idea o propósito, aun el más complejo.
Sus figuras, realizadas en mármol blanco de Carrara, son siempre
grandiosas, monumentales y muestran una gran vitalidad. En su tiempo fue ya
casi divinizado y sus obras, incluso las inacabadas, han sido durante siglos,
modelos fervorosamente estudiados.
- De personalidad llena de rebeldía e
idealismo, pasó su vida tras la busca de la Idea de Belleza, sus figuras no son
reales, sino ideales.
- Sus primeras obras son aún
clásicas, inspiradas directamente en las antiguas, pero tras conocer la obra
de Jacopo dellaQuercia su monumentalidad imprimirá un giro
definitivo a su obra. El equilibrio entre forma bella y movimiento, propio
delQuattrocento, lo rompe en favor del movimiento, hasta llegar a reflejar en sus
obras gestos y actitudes delirantes, vía que seguirán el Manierismo y el
Barroco.
Pietá del Vaticano
- Reflejo de sus estudios de obras clásicas al llegar a Roma. Soberbia obra de perfecto equilibrio entre una concepción monumental, de volúmenes puros y cerrados, y un acabado refinadísimo y delicado; de belleza neoplatónica y composición racional, triangular. Sorprende la extremada juventud de la Virgen en la que quiso, sin duda, expresar no la Virgen real, madre doliente y madura, sino la Virginidad eterna y sin edad.
David
- Desnudo heroico, de tamaño mayor que el natural, impresionante en su grandiosidad, rompiendo la iconografía tradicional, que lo representaba como adolescente. Realizado sobre un enorme bloque de mármol, pero de forma alargada y estrecha, lo que le obliga a hacer una obra casi plana.
- En él apreciamos los rasgos de su arte: la “terribilitá”, el carácter terrible y amenazador de sus figuras; la tensión de la anatomía, el movimiento contenido y centrípeto, con los miembros hacia adentro; la falta de simetría en la postura; la pasión del rostro y el perfecto estudio anatómico, dando la sensación de que la figura está viva.
- La postura es helénica, pero las manos, el gesto terrible, la disposición en zigzag del cuerpo, comunican una tensión que no es clásica, sino punto de partida del Manierismo
El Sepulcro del Papa Julio II
- Concebido primero como una verdadera montaña de mármol exenta bajo la Cúpula de San Pedro, con más de cuarenta figuras de tamaño colosal, hubo de irse reduciendo por presiones de todo tipo (económicas, políticas, familiares), y cuando mucho años más tarde se instaló en la Iglesia de San Pietro in Vincoli, sólo figuran en él, de su mano, el famoso Moisés y las estatuas de Lía y Raquel.
- El Moisés: motivo central de la tumba, obra capital de fuerza contenida y grandiosidad terrible, pensativo y sereno, reflexivo y prudente, el ideal del Renacimiento, pero en la fiereza de su mirada destella la terribilitámiguelangelesca.
- Los Esclavos: Debían ir también en el Mausoleo de Julio II, pero quedaron inacabados: hondamente patéticos, expresan el esfuerzo por liberarse de las cadenas. Mientras los realizaba se descubrió en Roma el Laocoonte, que supuso para Miguel Ángel y todos los escultores de su tiempo una verdadera revelación. A partir de este momento la expresión en sus figuras se hará más intensa, las actitudes más violentas y un halo de dramático pesimismo velará los rostros.
Sacristía Nueva de San Lorenzo: Capilla funeraria de los Médicis
3. LA ESCULTURA DEL
RENACIMIENTO EN ESPAÑA
3.1. La aparición del
Renacimiento en España: cronología y contexto histórico
- Las intensas relaciones que España
mantenía con Italia, como consecuencia de las múltiples campañas impulsadas por
Fernando el Católico por el dominio que la corona de Cataluña-Aragón ejercía
sobre Nápoles y Sicilia y por el continuo intercambio de artistas y
materiales entre los distintos estados italianos y la monarquía hispánica,
permitieron que la esencia del Renacimiento fuera asimilada ya a finales del
siglo XV y se extendiera a lo largo del siglo XVI.
- Las características sociales de la
España del momento distaban bastante de las que se habían observado en Italia
en el período de gestación del Renacimiento: mientras en Italia el
resurgimiento de la actividad comercial y del mundo urbano marcaron el contexto
en que se desarrolló el Renacimiento naciente, en España, en cambió, en los
albores del siglo XVI el fenómeno mercantil sólo se daba con fuerza en Cataluña
y Valencia; al mismo tiempo, si en Italia la aparición de la burguesía y
su enriquecimiento hicieron posible que dicha clase social se convirtiera
en uno de los principales clientes de los artistas renacentistas, en España
eran la iglesia, la nobleza y la monarquía absolutista las que seguían
ostentando el poderío económico; sin embargo las circunstancias políticas del
momento, profundamente marcadas por la consecución de la unidad nacional y por
el descubrimiento del Nuevo Continente a finales del siglo XV, hacían de España
un reino con grandes perspectivas, lo cual también facilitó la penetración de
Renacimiento.
- Todo esto explica que el Renacimiento en
España se mantenga bajo la tutela de la nobleza, la Corte y la Iglesia, quienes
establecerán cuáles son las necesidades que debe satisfacer el arte.
3.2. La Escultura del
Renacimiento Español
- La escultura renacentista llega a España
gracias a artistas italianos, como Fancelli y Torrigiano, o a
los españoles que viajan a Italia a formarse, como es el caso del gran
Alonso Berruguete.
- La escultura del Renacimiento español es
de gran originalidad por el fuerte sentimiento religioso del que está impregnado,
siguiendo la línea anterior del gótico. Además de dar mucha importancia de la
expresividad. También es original por los materiales empleados: se utiliza
mucho la madera policromada con la técnica del estofado, en la que se aplica
una fina capa de pan dorado y luego se pinta encima y se raspa para que se vea
el dorado. Se siguen construyendo sepulcros, retablos, sillerías de coro y
retratos.
3.2.1. Contexto
artístico del siglo XV: permanencia gótica e influencia flamenca en la
escultura española
- La escultura renacentista de concepción
clásica, la inspirada en la imaginería italiana, la que centraba su objetivo en
el retorno a las formas clásicas de la Antigüedad y en la búsqueda a ultranza
de la belleza formal, no se introdujo en España ni con rapidez ni con
facilidad.
- Desde mediados del siglo XV España contó
con la llegada masiva de artistas borgoñones, flamencos, alemanes y holandeses
que destacaron por su abundante producción y que indudablemente ejercieron una
influencia notable en el ámbito de las manifestaciones artísticas escultóricas
hispanas.
- Además, el “modus faciendi” de los
artistas españoles no contemplaba con excesivo interés los temas de carácter
mitológico ni la observancia de unas fórmulas teóricas mediante las cuales
obtener la belleza formal, aspecto ineludible en los artistas italianos, sino
que por el contrario tendían más a la plasmación de los sentimientos y pasiones
humanas que a la de los valores puramente estéticos.
- Como consecuencia, en España la
tradición goticista perduró durante todo el siglo XV, marcado
profundamente por la influencia flamenca, y el estilo que se desarrolló se ha
denominado estilo hispano-flamenco.
3.2.2. el primer tercio
del siglo XVI: La influencia del renacimiento italiano
- Con todo, la introducción del
Renacimiento italiano fue posible y se produjo por varios caminos: la
importación de piezas italianas, principalmente sepulcros, así como la llegada
a España de artistas italianos y los viajes a Italia emprendidos por los
españoles, fueron algunos de los aspectos que propiciaron la
asimilación del nuevo gusto estético.
A) La introducción de
las formas escultóricas renacentistas
-
Domenico Fancelli y Pietro Torrigliano fueron los dos
italianos que más contribuyeron a la introducción y difusión del Renacimiento
italiano en España.
- Fancelli, de formación
florentina y gusto por el preciosismo detallista:
+ Los Sepulcros
de los Reyes Católicos en la Capilla Real de Granada: su obra
cumbre, mantiene el tipo exento, de lecho horizontal, ahora más grande para dar
cabida a las dos figuras yacientes de los reyes, y lados en talud, revestidos
con medallones y hornacinas, con originales grifos en las esquinas y cuatro
estatuas sedentes de los Padres de la Iglesia velando en los extremos de la
cornisa el sueño de los monarcas.
- Torrigiano, que había sido
condiscípulo de Miguel Ángel:
+ San Jerónimo
Penitente: su obra maestra en España, magnífico estudio del natural hecho
en barro cocido, en el que muestra un profundo conocimiento de la anatomía
humana.
- A los artistas anteriores
cabe añadir tres más, que si bien no son de procedencia italiana resultaron
también importantes en esta tarea de difusión de los nuevos criterios
estéticos.
- Damián Forment,
valenciano, por lo que tuvo un contacto más directo con Italia, fiel a los retablos
en alabastro:
+ El Retablo
Mayor de la Catedral de Huesca: el basamento es de estilo italiano, con
siete escenas de la Pasión en altorrelieve, pero el resto, con la Crucifixión
en la calle central, sigue fiel a la tradición gótica.
- Vasco de la Zarza, que
produjo en Castilla esculturas que se alejaban ya de los modelos flamencos:
+ El Sepulcro de
Alonso de Madrigal, el Tostado, en la Catedral de Ávila: su decoración
tiene tondo central, entablamento, etc.; el difunto se representa vivo,
sentado, leyendo y con los atributos propias de su cargo.
- Felipe Bigarny, de
origen borgoñón, notable portador también del nuevo estilo:
+ La Decoración
del Trascoro de la Catedral de Burgos: con relieves de la vida de Cristo,
en los que aparecen notas claramente borgoñonas, pero en los que los pormenores
decorativos son ya italianos.
+ El Retablo de
la Capilla Real de Granada: una de las obras capitales del Renacimiento
Español, de arquitectura de líneas sobrias renacentistas, que encuadra figuras
sueltas de gran tamaño y fuerte realismo, como por ejemplo la Degollación
del Bautista; destacan también por su naturalismo los bajorrelieves del
banco.
B) Las formas
escultóricas plenamente renacentistas
- Las escultura hispánica de
formas plenamente renacentistas empieza con Bartolomé Ordóñez y con Diego
de Siloé, ambos atraídos por el estilo de Miguel Ángel.
- Bartolomé Ordóñez,
probablemente se formó en el taller del italiano Fancelli; se caracterizó
por su purismo, lo que le llevó a trabajar principalmente el mármol y el
alabastro, al mismo tiempo que marginó la madera tallada propia del gusto
español; su atracción por lo italiano hizo que viajara a Italia e incluso que
trasladara su taller a Carrara:
+ El Trascoro de
la catedral de Barcelona: con relieves que narran la vida de Santa Eulalia,
realizados en mármol de Carrara, en los que se muestra claramente la
influencia de Miguel Ángel.
+ Los Sepulcros
de Juana la Loca y de Felipe el Hermoso: sigue el tipo de túmulo adoptado
por Fancelli, pero no en talud, sino vertical como los tradicionales;
decorados con tondos, guirnaldas y escudos, en los ángulos aparecen los cuatro
evangelistas.
- Diego de Siloé,
no sólo destacó como arquitecto, sino también como escultor de primera línea.
Caracterizado por sus formas refinadas y mucho más clásicas, si bien no se le
puede considerar un escultor innovador, pues su producción es fruto de la
conjugación de las formas italianas con las de tradición borgoñona:
+ Sagrada
Familia del Museo de Valladolid: sobresale por su calidad y belleza, el
grupo, formado por la Virgen, San José, San Juanito y el Niño, está
compuesto a la manera de las “sagradas conversaciones” italianas.
3.2.3. El Pleno
Renacimiento español del segundo tercio del XVI: El Manierismo, la Escuela de
Valladolid
- No obstante, la plenitud de la escultura
renacentista española llegará de la mano de la Escuela de Valladolid,
concretamente de Alonso de Berruguete y de Juan de Juni.
- Alonso de Berruguete se
convertirá en el artista más representativo de esta etapa. Hijo del pintor
Pedro Berruguete, su formación artística fue muy completa al permanecer
durante diez años en Italia, donde entró en contacto directo con las obras
de Donatello, cumbre de la escultura del Quattrocento italiano,
y con las de Miguel Ángel. Pero a pesar del estudio directo que
realizó de las obras del Renacimiento italiano su obra escultórica no se
caracterizará por la plasmación de los valores estéticos de armonía y
serenidad, sino que en ella dominarán los rasgos expresivos y dramáticos,
debido al ambiente que se respiraba en aquel momento en la Península, donde el
deseo de buscar una relación entre el espíritu renacentista y la espiritualidad
o religiosidad era una hecho que se prolongaría a lo largo del siglo XVI.
Alonso deBerruguete supo canalizar esta búsqueda y lo hizo por medio de
esculturas policromadas de volumen alargado que reflejaban gestos muy
acentuados y actitudes inestables, en ellas el artista huye voluntariamente de
las formas y proporciones consideradas correctas y da primacía a su estilo
personal antes que a los parámetros establecidos en Italia. Entre sus obras más
significativas figuran las siguientes:
2. LA PINTURA DEL
RENACIMIENTO EN ITALIA
- En las ciudades italianas la pintura
experimenta un extraordinario impulso y una mutación constante.
- El número de artistas es tal que nos
limitaremos a ver una visión general de su evolución y las figuras principales
2.1. Evolución
de la Pintura en el Quattrocento
- El precedente fundamental hay que
buscarlo en la figura del Giotto, el gran maestro del siglo XIV.
- Sigue siendo el fundamental el tema
religioso, pero ahora tratado en ocasiones como si fuera profano, tema que
también se cultiva, junto con el mitológico, y como reflejo del individualismo
de la época se generaliza el retrato.
- Las composiciones son complicadas, pero
es muy importante el sentido unitario del conjunto.
- La luz se maneja cada vez con mayor
perfección, sobre todo para captar los volúmenes, pero falta de cohesión entre
el color y la forma, típico de la pintura italiana del momento, color no como
resultado de la luz, sino superficie coloreada acotada por la línea. El dibujo
es el elemento capital, por lo que los contornos son nítidos.
- El pintor del siglo XV está obsesionado
sobre todo por la captación de la profundidad, por la perspectiva, utilizando
para conseguirla los paisajes y las arquitecturas.
- También se camina hacia la consecución
del movimiento.
- Se busca la belleza idealizada, evidente
sobre todo en los desnudos.
- Estudio del hombre en todos los
aspectos, sobre todo en la representación de sus sentimientos.
A) Fra Angelico
- Pintor de la tradición del
gótico internacional, representa una continuidad del espíritu religioso
medieval que se reviste de las formas nuevas, con un uso sobrio de la
perspectiva, de los elementos decorativos y arquitectónicos del repertorio
clásico, de la luz, de la anatomía y de una nueva su concepción del volumen.
La Anunciación (del Museo del Prado y otras)
B) Tomasso Massaccio
- Masaccio es el creador de una
sensibilidad poderosa y monumental, totalmente desligada de todo recuerdo de la
sensibilidad del gótico y entroncado directamente con la grandiosidad
escultórica de Giotto. Masaccio representa la afirmación del
nuevo estilo, como Brunelleschi o Donatello lo representan
en la arquitectura y en la escultura.
El Tributo al César de la Capilla Brancacci de Florencia
C) Paolo Uccello
- La dirección
fundamentalmente investigadora, que funde arte y ciencia, la geometría y la
perspectiva, produce en Florencia su máximo representante con Paolo Ucello
La Batalla de San Romano
D) Filippo Lippi
- Fra Filippo Lippi introduce
en su pintura religiosa un elemento de vivacidad y alegría humana, de gracia
sonriente y afición a lo anecdótico, que anticipa actitudes de la segunda mitad
del siglo.
Virgen con el Niño de la Galería de los Uffizi
E) Andrea
del Castagno
- Obsesionado por la fuerza y
la expresión, que crea figuras de una monumentalidad dura y escultórica, en
contacto evidente con el estilo de Donatello.
Varones y mujeres ilustres de Villa Carducci
F) Piero della Francesca
- Maestro revolucionario que
anticipa los valores del siglo siguiente, es sin duda la cumbre del Quattrocento,
consiguiendo armonizar lo científico y la claridad intelectual con la belleza
de las formas y del uso de la luz como elemento expresivo y simbólico.
La Virgen con el Niño, Santos y Federico de Montefeltro
G) Andrea Mantegna
- Sus características fundamentales son el
interés por los restos arqueológicos, el tratamiento de las figuras como si
fueran estatuas, acentuado por el color que les da un aspecto pétreo (telas
duras y figuras escultóricas), influencia de Donatello y Andrea
del Castagno, los escorzos y la gran profundidad de sus composiciones.
Retablo de San Zenón de Verona
H) Sandro Botticelli
-
Alejandro Botticceli es la personalidad más famosa de la segunda
mitad del siglo XV. Dibujante exquisito, refinado y nervioso, es el creador de
unas maravillosas composiciones mitológicas de líneas ondulantes y contornos
precisos
El Nacimiento de Venus
I) El Perugino
- Su estilo seguro, con
figuras insertadas con perfección en el paisaje, de perspectivas muy marcadas
debido a su interés por la profundidad de sus composiciones, supone un preludio
de lo que se realizará en el Cinquecento. Su fama llegó a tal extremo que
fue llamado a Roma en 1.482 para decorar algunas de las paredes de
la Capilla Sixtina
Entrega de las llaves a San Pedro de la Capilla Sixtina
J) Luca Signorelli
- Caracterizado por una forma
de representación del cuerpo enérgica, con fuerza expresiva y precisión
anatómica y por el dominio de la perspectiva del escorzo, creando un estilo de
grandiosidad épica que más tarde dejaría un sello definitivo en la mentalidad
de Miguel Angel.
Murales de la Catedral de Orvieto
2.2. Evolución
de la Pintura en el Cinquecento
- Florencia continúa siendo la capital del
arte, pero sus figuras se trasladan a Roma, donde el Papa es ahora el mayor
mecenas, o viajan por diversas ciudades.
- Mejor manejo del color, perdiendo su
imperio el dibujo y el contorno, aunque los pintores florentinos siguen
dándoles mayor importancia que otras escuelas.
- La luz adquiere una nueva importancia y
con ella las sombras, casi ausentes en el siglo anterior. Las formas son ya
redondeadas, no con apariencia tan plana como antes, gracias al claroscuro de
luces y sombras se consigue el volumen, junto con otros recursos (como poner el
brazo en primer plano).
- Ya no obsesión por la perspectiva, la
profundidad se consigue ahora de una forma más natural, sin esfuerzo.
- Los paisajes se enriquecen, son más
variados, unos luminosos, otros neblinosos o crepusculares, etc.
- La composición es clara, con frecuencia
triangular, relacionándose las figuras con las miradas y gestos, con una única
escena o destacando claramente la principal.
A) Leonardo
da Vinci
- El tránsito
del Quattrocento al Cinquecento lo encarna de modo
excepcional Leonardo da Vinci, que ha sido considerado siempre uno el
arquetipo de hombre renacentista por su pasión por todas las formas del saber,
fue científico, escritor y artista.
- Discípulo de Verrochio, duda entre
la escultura y la pintura, pero aunque cultiva las dos, se siente especialmente
pintor e ingeniero.
- Como pintor su gran creación es el
“esfumato”, artificio pictórico que consiste en prescindir de los contornos
netos y precisos del Quattrocento, y envolverlo todo en una especie de niebla
imprecisa, que difumina los perfiles y produce una impresión de inmersión total
en la atmósfera. El paisaje adquiere así una misteriosa dimensión, y los
personajes un encanto distante y enigmático.
- Tuvo muchísimos imitadores,
su influencia fue definitiva para artistas de primer orden como Rafael
o Correggio.
La Gioconda o Monna Lisa
B) Rafael Sanzio
- Su obra es enorme, tratando gran
cantidad de temas: religiosos, retratos y grandes composiciones.
- No es un innovador, sino un artista que
lleva a su perfección los descubrimientos de los anteriores, siendo quizá el
artista que representa mejor que nadie la perfección del clasicismo.
- Destaca sobre todo por el encanto de sus
“Madonnas”.
- También destaca por la
calidad de sus elementos pictóricos: luces, composición, etc. Pero su gran
aportación es la amplitud y profundidad que da a sus composiciones.
+ La Madonna del
Gran Duque
C) Miguel
Ángel Buonarroti
- Fundamentalmente escultor, por lo que
sus figuras conservan la importancia del dibujo, el deseo de movimiento y la
apariencia más escultórica que pictórica.
- Ejercerá una influencia
capital en artistas contemporáneos y posteriores, sobre todo del Manierismo.
El Juicio Final de la Capilla Sixtina
2.3. La Escuela
Veneciana
- La influencia de Venecia en la pintura
es capital. En el siglo XV los Bellini y Carpaccio ponen
las bases de la escuela, caracterizada por su culto al color, que siempre
prevalece sobre el dibujo. En el siglo XVI los grandes
maestros,Giorgione, Tiziano, Veronés y Tintoretto, descubren en la
pintura posibilidades que se explotarán en el Barroco.
- Además de prestar más atención al color
(sobre todo colores cálidos) que al dibujo, prefieren la forma a los contornos
(influencia de la neblina de la ciudad), dan gran importancia a los temas
secundarios y a los paisajes poéticos llenos de luces, influyendo también en
sus composiciones el hecho de que sea una república comercial, que a ella
lleguen gentes de lejanos países, la alegría de vivir de su sociedad, su gusto
por las fiestas, los banquetes y el lujo en general (exaltación de la riqueza
en los ambientes que pintan).
A) Gentile Bellini
- Amante de ricos y abiertos escenarios de
edificios góticos, su estilo es narrativo (descriptivo y costumbrista),
colorista y con gran cantidad de personajes, como se aprecia en su Procesión
en la Plaza de San Marcos.
B) Vittore Carpaccio
- Dentro del estilo narrativo y
costumbrista veneciano, de grandes escenarios cargados de pequeñas figuras. En
su serie dela Leyenda de Santa Úrsula aparecen paisajes
urbanos llenos de gentes, vestidos, góndolas, etc.
C) Giovanni Bellini
- El más interesante de los pintores
venecianos del Quattrocento, son características suyas fundamentales el
naturalismo y el color, siendo el predecesor de Tiziano y de
toda la Escuela Veneciana del Cinquecento.
+ Vírgenes con Niño
D) Giorgione
- Sus obras suponen un gran adelanto
comparada con la de los pintores "quattrocentistas, la mayoría compuestas
por una figura o un grupo de figuras integradas en paisajes amplios.
- Sus pinturas, a diferencia de obras
anteriores del mismo tipo, utilizan la luz de un modo innovador, produciendo un
gran lirismo: se trata de una luz suave y tamizada, más destinada a crear una
atmósfera determinada dentro de la composición que a definir los objetos dentro
de la escena.
- Sus innovaciones en el tratamiento de
los temas tuvieron especial importancia en dos áreas: el paisaje y el desnudo
femenino.
Venus dormida
E) Tiziano
- Figura principal de la escuela veneciana
del siglo XVI.
- Es el retratista de la escuela, en sus
retratos los elementos de encuadre (paisajes, cortinas, joyas, etc.) son tan
importantes como el propio retratado.
- Así mismo es el maestro de las formas
blandas y redondas, de los desnudos femeninos e infantiles, sobre todo en
composiciones de temática mitológica.
- También trató los temas religiosos.
- Su paleta evolucionó en sus
últimas obras hacia una factura cada vez más pastosa, más gruesa, de manchas,
técnica claramente impresionista que aún tardará varios siglos en madurar.
La Bacanal
F) Veronés
- Es el pintor del lujo: escenas en palacios
de mármol, con columnatas, balaustradas y jardines con fuentes; sus figuras con
ropajes costosos y joyas.
- Inclinación hacia los
detalles anecdóticos en sus grandes composiciones.
Las Bodas de Caná
- Ya crisis de los ideales renacentistas en sus composiciones de rasgos manieristas: maestro de las luces violentas, de los contrastes de luces y sombras, de los escorzos, del movimiento tenso e inestable, del paisaje romántico, de la profundidad conseguida por contrastes lumínicos o utilizando un punto de vista bajo, acusando así la lejanía del fondo.
La Escuela de San Marcos
2.4. La Pintura
Manierista
- Arbitrariedad en el uso del color y las
proporciones, que se alteran a voluntad, generalmente alargando las figuras,
caracterizadas además por sus expresiones angustiadas, por
ser serpentiformes, abundantes en escorzos, constreñidas por marcos
estrechos y por situarse en ocasiones ante fondos negros, en los que resaltan
las figuras como auténticos objetos de luz, características estas últimas ya
casi barrocas.
- Bronzino: caracterizado por
composiciones de figuras retorcidas en forzadas actitudes, potenciando el
dramatismo, como en Venus, Cupido, la Locura y el Tiempo.
- Corregio: maestro del
escorzo, de la luz, las formas suaves e ingrávidas y de los rasgos delicados en
las figuras femeninas e infantiles, como en Ganímedes y
en Leda y el cisne en los temas mitológicos o en Noli me tangere en
los religiosos; supone el paso hacia el barroco en las pinturas al fresco de
sus cúpulas.
- Parmigianino: caracterizado por sus composiciones
artificiosas, propias del Manierismo, como en su Madonna del cuello
largo.
3. LA PINTURA DEL
RENACIMIENTO EN ESPAÑA
- Aunque el clasicismo de la pintura
renacentista italiana pugnó por entrar en nuestro país, el fervor religioso del
catolicismo español no lo permite de manera intensa.
- En este contexto, por ejemplo, el
desnudo apenas existe y si lo hace es cargado e exaltación mística.
3.1. La
introducción del Quattrocento italiano
- Se introduce el Renacimiento en la
pintura de Castilla por Pedro Berruguete, que viajó muy joven
a Italia, donde trabajó bajo el mecenazgo del duque
de Urbino Federico de Montefeltro, lo que le permitió conocer a
los principales artistas delQuattrocento.
- Su obra está marcada por su
importante estudio de la luz y de la perspectiva y el naturalismo de sus
figuras, aunque aún retiene elementos flamencos.
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