Vanguardias
1.-
INTRODUCCIÓN
Entre las
últimas décadas del siglo XIX y las primeras del siglo XX, en casi todos los
países con un cierto grado de desarrollo industrial se puso de manifiesto un
sentido del presente y un ansia de romper con los estilos del pasado.
Fue un
momento agitado y complejo, en el que la búsqueda de lo nuevo convivía con la permanencia
del pasado: rechazo de la máquina y aceptación de nuevas tecnologías ( que exploraban
o anticipaban el futuro), agitación social y anarquismo a la par que
consolidación de los valores de la cultura burguesa, además la crisis arte sociedad
se evidencia siendo la característica que conlleva la vanguardia.
Se conoce
como vanguardias históricas a los estilos artísticos que aparecieron en la
primera mitad del siglo XX. Su propuesta rupturistas fue tan radical que más de
un siglo después siguen siendo el paradigma del arte de vanguardia, dado que en
la época se produce en el arte una auténtica revolución de las artes plástica.
Escultura y
pintura, participan de los mismos supuestos. Los movimientos vanguardistas son
más una actitud ante el arte que una estética, que abandonará la imitación de
la naturaleza para centrase en el lenguaje de las formas y los colores. Es la
hegemonía del inconsciente, de la reconstrucción mental de la obra. Al
espectador se le exige una nueva actitud ante la obra de arte. Los estilos
dejan de ser internacionales para ser característicos de un grupo de artistas.
2.- CONCEPTO
DE VANGUARDIA
El término
vanguardia ha sido uno de los más utilizados para el desarrollo del arte en el
siglo XX, sea para definir posturas ante el arte y su papel en la sociedad, sea
para ordenar el estudio de la historia del mismo siglo.
Convirtiéndose
así en un fenómeno nuevo respecto a otros periodos de la historia, importante para
comprender el arte de nuestra época, y solo en ésta aparecen expresiones como:
Arquitectura
de vanguardia, música de vanguardia, cine de vanguardia, etc.
El término es
de origen medieval y se usaba en el lenguaje militar. Ya en el siglo XIX empezó
a ser utilizado en sentido figurado con relación al arte y, en el XX constituye
un termino clave para el mundo del arte.
Tomando
literalmente el término implica la idea de lucha, de combate, de pequeños
grupos destacados del cuerpo mayoritario que avanza, que se sitúan por delante.
Efectivamente, la vanguardia artística se manifestó, como acción de grupo
reducido, como élite que se enfrentaba a situaciones más o menos establecidas y
aceptadas por la mayoría. Estas tendencias se enfrentaron al orden establecido,
a los criterios asumidos por las clases altas económicas e intelectuales
hablando con ánimo de ruptura. Fueron en ocasiones y con sus particularidades, movimientos
agresivos y provocadores. La incomprensión inicial y la posterior aceptación
justifican su papel anticipador del futuro.
Desde un
principio estos serían los aspectos más definitorios del concepto de
vanguardia, pero la idea de vanguardia comporta una mayor complejidad. Para
precisarla un poco más hay que examinar de qué modo ha evolucionado el uso del
término en el terreno cultural.
Vanguardia
con relación al arte aparece por primera vez en el primer cuarto del siglo XIX,
en textos de los socialistas utópicos. No se trataba de un grupo o de una
tendencia artística en particular, sino que el arte se presentaba en general,
como avanzadilla de los sectores fundamentales que tratan de transformar la
sociedad: la ciencia y la industria. Esto introduce otro concepto de
vanguardia: Vinculación con actitudes progresistas ( implicaba ansia
transformadora de la sociedad ). A fines del XIX, el término vanguardia se
utilizó en el vocabulario político y antes de la primera guerra mundial pasó a
ser frecuente, en la crítica artística concretamente se aplicó al
Cubismo y
Futurismo.
También hay
en el concepto de vanguardia concomitancia con el vocabulario político, como el
activismo, voluntad de ruptura, idea de revolución artística y, sobretodo la
aparición de un documento literario como pieza clave en muchos movimientos de
vanguardia “ El Manifiesto”. Con la aparición del “Manifiesto Comunista de 1848
“, surgieron también manifiestos artísticos, que a modo de declaración pública
recogía los propósitos de actuación, en ocasionas con términos y lenguaje
contundente, al igual que los documentos políticos. En este sentido el
“Futurismo” será el más paradigmático, redactando manifiestos dedicados a la
literatura, pintura, escultura, arquitectura, música, cine.
El Manifiesto
de los pintores futuristas – Milán, 11- 2- 1910 -, da una buena plasmación del carácter
más típico vanguardista en general, pero también claramente explícitos la
euforia, el desafío la provocación y, frente a los valores establecidos , la
originalidad y la innovación, así como una significativa fe en el progreso, fe
en el avance y transformación de la Humanidad hacia una situación,
supuestamente, mejor, está en la base del concepto de vanguardia, con su
dinámica sucesión de “ ISMOS”.
3.–
DESARROLLO – CAUSAS
Para entender
las razones por las que las vanguardias artísticas se desarrollaron, es
necesario echar la vista atrás, al siglo XIX. Tres acontecimientos políticos,
la constitución de la segunda y la tercera República Francesa (1848 y 1871) y
la Primera Guerra Mundial (1914), provocaron una reacción intelectual en contra
de la sociedad de la época. Empieza así el estereotipo de artista incomprendido,
bohemio y comprometido con una serie de valores contrarios a todo ese mundo convulso
que provocaba situaciones miserables y desafortunadas
A estos tres
acontecimientos políticos, se debe añadir uno artístico de obligado nombramiento,
el comienzo de los llamados Salones de París, unas muestras artísticas
anuales de elevado prestigio que contaba con un jurado tradicional y
conservador, y de donde fueron rechazados la mayoría de pintores
impresionistas. Estos inauguraron, por iniciativa propia, los llamados Salón
de los Rechazados con la intención de que su trabajo, aunque no fuera aceptado
en la muestra principal, pudiera ser apreciado y valorado por el público. Quizá
fue este el primer gran desencuentro entre el mundo artístico y el intelectual
de la época, que no había hecho más que empezar.
A este
precedente se debe añadir el panorama de principios del siglo siguiente, lleno
de cambios y aportaciones significativas que modificaron ciertas ideas y modos
de vida: la Segunda Revolución Industrial, con la aparición del motor de
explosión, la publicación de la Teoría de la Relatividad de Albert Einstein y
la Interpretación de los sueños de Sigmund Freud, la popularización de la fotografía,
el nacimiento del Cine… anunciaban a voces que algo en el mundo estaba
cambiando.
4.
VANGUARDIAS
4-1.
Impresionismo (1874), Neoimpresionismo (1884) y Postimpresionismo (1910).
Aunque
algunos historiadores dejan fuera de la clasificación de vanguardias al Impresionismo,
fue el primer movimiento que se rebeló contra los gustos que imperaban en
la época. En su caso, el Impresionismo no buscaba el rechazo del
público, sino que se olvidaba de la acogida que pudiera tener su
trabajo, en favor de una nueva manera de captar la realidad que tarde o
temprano se acabaría reconociendo, como así fue. El precursor de este
movimiento fue Eduard Manet. En su trabajo se puede apreciar el paso de la
pintura tradicional al modo de hacer impresionista. Con el paso del
tiempo Manet recurre a pincelada directa, con mucha carga, aunque nunca
con tanta decisión como lo harían los siguientes autores impresionistas,
todos ellos estudiosos, admiradores e influenciados por Manet. El grupo lo componía
Degas, Renoir, Monet, Pizarro, Sisley y Cezanne.
Impresión, Sol
naciente (Monet)
Tras unos
comienzos dubitativos y llenos de pruebas, el Impresionismo como tal nace en
una exposición celebrada en los salones del fotógrafo Nadar. Era una
muestra en la que participaban un total de treinta y nueve pintores,
conscientes ya de formar un grupo y de tener unos objetivos iguales que
defender. En esta exposición se encontraba una obra de Monet llamada Impresión,
Sol naciente que, burlonamente citada por un crítico dio nombre al
grupo.
Pone toda su
atención en captar la realidad, el instante, la impresión. Es una pintura de
aire libre, que se resuelve ante el motivo en cuestión. Dado que las
condiciones lumínicas de los paisajes cambian a cada segundo, requiere una
pincelada rápida y directa, que permita resolver una obra en pocos minutos. Es
lo más parecido a la fotografía instantánea hecha pintura. Interesa esa luz del
amanecer, el reflejo de la luz en un edificio en la caída del sol, la luz
reflejada sobre el río a medio día. Esa es la razón por la que las obras
impresionistas dieron la sensación, a final del siglo XIX, de ser obras
inacabadas, imperfectas, y por tanto, fueron despreciadas
Acabada la
época del desarrollo del Impresionismo, y gracias a las nuevas tecnologías de impresión
(especialmente influyente fue la fotografía y el descubrimiento de la
cuatricromía, que conseguía infinidad de colores con la mezcla de los colores
primarios), surge el Neoimpresionismo o puntillismo, llevado a cabo
fundamentalmente por dos autores, Georges Seurat y Paul Signac. Aprenden la
lección impresionista y la aplican de un modo más científico, más controlado,
mucho menos espontáneo y fresco. La pincelada se hace corta, racional y estudiada.
Fuera de
estos dos movimientos quedan tres autores, de obligada mención, como son
Vincent Van Gogh, Paul Gaugain y Henri de Toulouse-Lautrec. Se les dio el
término histórico-artístico de Postimpresionistas en una exposición
celebrada en Londres en 1910, pues, aunque su trabajo no es en absoluto
semejante, les une el hecho de haber comenzado su trabajo con el Impresionismo
ya afianzado y comienzan su andadura pictórica con un nuevo modo de hacer, en los
tres casos de manera muy personal e innovadora y de con una visión más
subjetiva y manipulada del mundo. Van Gogh transforma la pincelada
impresionista en una con más carga y muy ordenada, dando nuevas soluciones
formales y cromáticas. Gaugain fue un artista que reivindicó lo bidimensional y
lo decorativo. Su época en Taití, donde vivió los últimos años de su vida, es
la más famosa. Ese destino brindó a Gaugain los paisajes y los colores que
buscaba.
Toulouse-Lautrec fue
un gran ilustrador y se le considera el precursor del cartel publicitario.
El espíritu de los muertos vela (Paul Gauguin)
4- 2.
Fauvismo 1905 / 1907
El Fauvismo
cuestiona el Arte como representación de la realidad, abogando por un arte subjetivo
que expresa sentimientos por medio del color. Término acuñado por el crítico de
arte Louis Vauxcelles tras contemplar una exposición (fauve es el término
francés para fiera), lo denomina así por su violencia cromática, por sus
agresivos contrastes, tintas planas, simplicidad en el dibujo y su ausencia de
claroscuro. Los historiadores lo consideran una reacción al Impresionismo. Si
éste trataba de enfrentarse a la realidad por medio de la visión, el Fauvismo intenta
pintar con la mente. Sus autores principales son Matisse, Derain, Dufy y
Braque.
La ventana abierta (Matisse)
4- 3. Cubismo
1907 / 1914.
Cubismo es el
nombre que se le dio al movimiento desarrollado principalmente por el español Pablo
Picasso y Braque. Curiosamente fue también L. Vauxcelles el encargado de
denominar al movimiento. Se caracteriza por destruir la óptica renacentista
como único punto de vista. Es capaz de representar varios puntos de vista a la
vez en una misma imagen, superando así a su rival representativo, la
fotografía. Afirma la bidimensionalidad aunque sugiere cierta profundidad con
un particular claroscuro.
Niega la luz
impresionista y los modula en tonos neutros y pardos, mediante el uso de la
faceta (pequeños planos de color superpuestos) y la introducción en el Arte con
mayúsculas de técnicas como el collage. Es un movimiento que no trata de captar
la realidad presente ante el artista, sino que crea, a partir de la realidad,
una imagen propia, nueva. Se basa en la anterior pero que no intenta parecerse
a ella, sino aportar más información, incluso, que la propia realidad. Otros componentes
de este movimiento fueron Juan Gris, Francis Picabia, Franz Leger y Albert Gleizes
Las señoritas de
Avignon (Picasso)
El Portugués (George
Braque)
4 –4.
Expresionismo 1905/1913.
Estilo
surgido en Alemania que trata de dar al espectador una visión de los
sentimientos del artista. Forma, color y textura están al servicio de esa
transmisión de los estados de ánimo del autor. Supone el inicio de la pintura
abstracta en sentido estricto ya que se desvincula por fin del referente. Es
una pintura subjetiva que deforma y exagera. Sus grandes influencias fueron autores
consagrados como Goya, el Greco, y otros más recientes como el belga James
Ensor y el noruego Edvard Munch.
Los dos
grandes grupos de artistas del movimiento fueron los llamados “Die Brücke” (el
puente) en Dresde formado principalmente por Ernst Kirchner y Emil Nolde y “Der
blazer Reiter” (el jinete azul) compuesto por Vasily Kandinsky, Franz Marc,
Paul Klee en Munich, ambos con objetivos y rasgos comunes aunque con alguna
diferencia estilística que les dividía.
El Jinete azul (Vasily Kandinsky)
4 -5.
Futurismo 1909/1914.
El primer manifiesto
futurista se publica el 20 de febrero 1909, en el periódico parisino “Le Figaro”,
escrito por Filippo Marinetti, escritor italiano, que casi con un rigor
dogmático no dudaba en afirmar que “un automóvil rugiente, es más bello que
la Victoria de Samotracias”. Con ello se exaltaba la modernidad, lo
tecnológico, lo mecánico y rompe una lanza a favor de sus cualidades estéticas
de estos objetos industriales infravalorados según esta vanguardia. Aunque el
movimiento acaba pronto, en 1914 y 16, tras la I Guerra Mundial algunos de sus componentes
radicalizan sus posiciones y se relacionan ideológicamente con el fascismo
italiano en las elecciones de 1919. Sus mayores exponentes fueron Humberto
Boccioni, Gino Severino y Giacomo Balla.
Con el tiempo se produjo
un redescubrimiento (cosa frecuente en la historia del arte), pues además de
profundizar en las cuestiones ideológicas y políticas, ponía de relieve aquellos
aspectos que hacían del futurismo un movimiento de vanguardia de extraordinaria
resonancia en su momento, influyendo en movimientos como El Dadaísmo, el
Constructivismo ruso, el Surrealismo y que, a largo plazo lo sitúan como punto
de referencia, el arte de los años sesenta.
Muchacha corriendo en
una galería (Giocomo Balla)
4 -6.
Dadaísmo 1915/1922.
El más radical y
agresivo de los -istmos de principios de siglo nació en Zürich (Suiza) obra de Tristan
Tzara. Fue una vanguardia anarquista que se mostró rotundamente en contra de cualquier
norma social, moral o estética. Contundente, destructor y provocador, basado en
lo absurdo, lo elemental, lo casual y lo azaroso (la misma palabra dadá que
designó el movimiento se escogió de modo arbitrario en un diccionario). Su
objetivo principal era cuestionar unos criterios artísticos fuertemente afianzados
y aceptados en la época. El ejemplo máximo de Dadá fue el artista francés Marcel
Duchamp que, a través de los denominados ready-mades (objetos industriales sin
valor, elevados a la categoría de obra de arte por el simple hecho de
exponerlos en un museo bajo una firma y una fecha) trató de ridiculizar la
veneración pasiva y poco crítica del público burgués. Gracias al movimiento
dadaísta, el Arte abrió sus fronteras y aceptó otros modos de expresión
artística, lo que fue su mayor aportación. Era el nacimiento de lo que hoy
denominamos arte conceptual. Además de Duchamp, los componentes de este grupo
fueron Hans Arp, Francis Picabia, M. Ernst y el fotógrafo Man Ray
Fuente (Marcel Duchamp)
4 -7.
Surrealismo 1924/1939.
Comienza con
un manifiesto escrito esta vez por el poeta André Breton. El término lo acuña
el escritor G. Apollinaire. Se desarrolla, como se puede deducir por las
fechas, en un periodo inestable de entreguerras en el que los intelectuales
tratan de comprender la profundidad psíquica del hombre, los sueños, lo
inconsciente. Los escritos y teorías del psicoanálisis de Sigmun Freud aportó
base científica e ideológica, y las obras de Füsli y Blake la influencia
artística.
Podemos
hablar de dos tipos de Surrealismo pictórico y dos grandes grupos de pintores surrealistas.
Por un lado, los pertenecientes al Surrealismo figurativo, entre los que se encontraban
Max Ernst, René Magritte, Dalí y Chagall, quienes exploraron el surrealismo
desde una óptica de realismo formal, pues, a pesar de sus deformidades y
transformaciones, nunca abandonaron la referencia real de los objetos. Por otro
lado, el Surrealismo abstracto contaba con Yves Tanguy, Miró, Klee y Hans Arp.
Parte
fundamental esta tendencia fue la escultura. Giacometti, Henry Moore, Alex Calder, M. Ernst y Man Ray.
Antes del nacimiento (Hans Arp)
4
-8.Suprematismo 1915/1919.
Vanguardia de
origen ruso que comienza con el manifiesto de Casimir Malevitch. Busca la sensibilidad
pura del arte a través de un lenguaje plástico nuevo, sin referencias figurativas
ni influencias artísticas previas. Evita cualquier referencia de imitación a la
naturaleza recurriendo a módulos geométricos de formas puras y perfectas de
color austero, en especial el uso del blanco y el negro con algún color poco
saturado.
Al ser obras de pocos
elementos, y además geométricos, tendrá mucha importancia la composición y
distribución de éstos en las obras.
Construcción
suprematistica (Kazimir Malevit)
4 -9.
Constructivismo 1913/1920.
Esta nueva vanguardia
comparte origen y fechas con la anterior, por lo que su desarrollo es paralelo
y ambas se vigilarán de reojo en su evolución. El constructivismo, con alta
carga política e ideológica propia de la revolución rusa, pretende la unión
entre las artes, pintura, escultura y arquitectura, por lo que comparte
objetivo con una del las escuelas más famosas de la Historia del Arte, la
Bauhaus. Este hecho no es casual, pues varios constructivistas fueron profesores
o impartieron seminarios en algún momento en dicha escuela alemana. Sus autores
principales fueron Vladimir Tatlin, El Lissitzky, Antón Pevsner y Naum Gabo.
Prueba de lo completo de este movimiento es su manifestación cinéfila obra de
Eisenstein, quien tiene en la cinta de “El acorazado Potemkin” un gran ejemplo.
Monumento a la III Internacional
(Vladimir Tatlin)
4 -10.
Neoplasticismo.
De origen
holandés, el grupo que lo desarrolló recibió el nombre de “De Stijl” (el
estilo) debido al nombre de la revista en la que trabajaban sus componentes y
en la que publicaban sus escritos.
Fue una
prolongación de los valores estéticos el constructivismo, aunque sin su
ideología y compromiso político. Demostraron su intento por aunar disciplinas
en proyectos completos.
Diseñaban el edificio y
el interiorismo (muebles, colores de las paredes, colocación de los mismos…) en
un mismo proyecto porque entendían que no eran conceptos distintos. Con ánimo de
huir de las referencias naturales recurrieron a las formas geométricas puras y
a los colores saturados, especialmente los primarios y el negro para dar
contraste. Sus principales componentes fueron Theo van Doesburg, y Piet
Mondrian.
Cuadro nª 2 –
composición (Piet Mondrian)
SEGUNDA
VANGUARDIA 1945-1970
Las llamadas
segundas vanguardias comienzan tras la Segunda Guerra Mundial. Debido a las consecuencias
de tan destructor y lamentable acontecimiento, Europa entra en una crisis
cultural y política que favorece la emergencia de un nuevo panorama artístico y
permite que la capital mundial del arte pase de París a Nueva York.
Estas
segundas tendencias se sucedieron muy rápidamente gracias a los nuevos medios
de comunicación de masas, cada vez más efectivos por el alto desarrollo
tecnológico, pero a la vez de un modo más natural, menos traumático.
La
experiencia de las primeras vanguardias dio cierta tranquilidad y sosiego al
espectador, que pudo asimilar mucho mejor esta segunda oleada. Esta vez, las
vanguardias no eran fruto de artistas incomprendidos que quieren escandalizar
al público, sino que se convierten en nuevas y atractivas tendencias. Adquieren
un tinte más atractivo, moderno y exclusivo que favorecerá el mercado y la
aproximación del público en general.
A. TENDENCIAS
INFORMALISTAS
A.1
Informalismo.
Tendencia pictórica,
también denominada a veces, Tachismo o Abstracción Lírica, a pesar de su desarrollo
independiente, compartió con el Expresionismo Abstracto el peso del
surrealismo, del automatismo, de la improvisación psíquica como revelación del
mundo subjetivo del artista. Se caracteriza por el uso de grandes empastes de
pintura, en muchas ocasiones con aditivos (arena, polvo de mármol, yeso…). Su
pincelada es impulsiva y da la máxima importancia al gesto. El artista más
representativo del estilo fue Jean Dubuffet.
Le Cosmorama IV (Jean
Dubuffet)
A.2
Expresionismo abstracto americano.
Tendencia que
muestra grandes e importantes influencias como son el surrealismo, el expresionismo
y la abstracción. La referencia con la naturaleza y la figuración en este movimiento
está más que superado.
Un
importantísimo elenco de artistas compone el grupo que pertenece a esta
tendencia. Un grupo, además, que se conocía personalmente, compartieron estudio
y sala de exposiciones y reflexiones acerca del movimiento. Cada uno consiguió
un estilo personal que les distinguía, pues, aunque pertenecían a la misma
tendencia, cada uno optó por un camino distinto. Todos obtuvieron fama y
reconocimiento.
El primero,
el americano Jackson Pollock, creador de un nuevo modo de pintura: el Dripping.
El artista sitúa el lienzo en el suelo y, moviéndose alrededor del mismo (y en
ocasiones por dentro del mismo lienzo) deja caer finos hilos de pintura que se
desprenden del pincel recién cargado en el bote. El resultado es una trama
compleja de hilos que forman una trama muy atractiva visualmente. El artista se
interesa por el azar, por lo que no es controlable.
Otro artista
reconocido fue Willem de Kooning. La pintura de de Kooning puede compartir planteamientos
con Pollock aunque es mucho más directo. Busca el gesto, la pincelada, la mezcla
de los colores en el mismo lienzo. Utiliza colores puros y muy saturados,
combinados con algunas tierras y
sombras.
El tercero de
la lista de expresionistas abstractos fue Philip Guston. Único representante de
este grupo que mantuvo cierta figuración en sus lienzos. Consiguió un lenguaje
propio, casi jeroglífico, de modo que los mismos elementos se repetían una y
otra vez para contar un mensaje. Fue un artista obsesionado con el miedo, el
miedo al tiempo, que se agota, a las agresiones en general, a la pobreza.
Acostumbraba a pintar por la noche, ya que, según el propio artista, esos
miedos que movían su pintura eran mucho más intensos. Su paleta era bastante
monocroma en general, ya que sus obras más representativas se mueven en rosas y
algún tono de contraste.
Por último
nombrar a Mark Rothko. Creador del llamado “Color Field Painting” fue un
artista de dedicación plena y obsesiva a su obra. Alcanzó una técnica exquisita
a la hora de fundir tonos y obtener colores expresivos. Pintor de grandes
formatos, reivindica la identidad de la abstracción y la expresividad de
grandes superficies de color.
Bosque encantado
(Jackson Pollock)
Woman I (De Kooning)
A.3 Arte Póvera.
Vanguardia de
procedencia italiana, su máximo representante fue Miguel Ángelo Pistoletto. Le interesa
la reutilización de material tecnológicamente poco avanzado, tradicional, no
industrial.
Tiene como influencia
directa el dadaísmo, especialmente el trabajo de Duchamp. De alto componente
conceptual, vuelve a cuestionar determinados criterios artísticos de aparente aceptación
general. Entre los artista que cultivan el arte Póvera destacan Antonio Tápies
y Govanni Anselmo.
La Venus de los trapos (Miguel Angel Pistoletto)
B. TENDENCIAS
RACIONALISTAS
B.1 Nueva Abstracción
Americana.
Su principal
componente fue el estadounidense Frank Stella. Es una vanguardia de grandes
formatos que afirma la obra como estructura y materia. Destaca así, la
composición más que los elementos anecdóticos presentes. Utiliza una paleta muy
saturada son obras de clara bidimensionalidad y formas simples, con el objetivo
de que éstas no tomen gran protagonismo y el conjunto sea, al fin y al cabo, lo
principal.
Variación Sinjerli (Frank Stella)
B.2 Minimal Art.
El arte minimal comenzó
siendo una vanguardia más, aunque su proyección e influencia ha sido enorme en
el arte y el diseño de final del siglo XX y principios de XXI. Inspirada en el
arte oriental, tiene como lema “menos es más”, de modo que, si una imagen, un
interior, un objeto industrial, etc., se puede resolver con un mínimo de
elementos no se le añadirá ni uno más. De este modo, produce imágenes limpias,
aparentemente vacías y simples, aunque con gran carga estética más que
funcional. Uno de sus representantes fue Sol le Witt.
"123454321+"
(Sol Lewi)
B.3 Arte Cinético
Tiene como principio
básico el movimiento, de manera que ha estado más presente en escultura que en
pintura.
Móvil (Eusebio Sempere)
Rueda de bicicleta (Duchamp)
Las obras de arte
cinético se pueden encuadrar en tres subcategorías: obras con movimiento propio,
ya que se mueven por medio de un mecanismo (motores, ingenios eléctricos) o por
acción de algún elemento independiente (música, viento, temperatura), obras de
ilusión óptica en las que se encuadra la pintura cinética, y obras interactivas
en las que el espectador debe accionar o ejecutar alguna acción. Como
representantes de cada uno de estos grupos podemos nombrar a Alexander Calder,
con sus móviles, estructuras colgantes muy ligeras que se mueven con el viento,
al español Eusebio Sempere, con sus serigrafías de líneas muy finas y
geométricas que al entrecruzarse producen la sensación óptica de movimiento, y
a Marcel Duchamp respectivamente.
C. NEO
REPRESENTATIVAS
C.1 Pop Art.
Primera vanguardia neo
representativa de origen norteamericano inspirada en artes consideradas menores
como son el cómic, la ilustración y el cartel. Trataban de impulsar esa estética
de aspecto infantil y lenguaje bidimensional, mostrando en muy ocas ocasiones
la pincelada. Utiliza la tinta plana y los colores muy saturados por lo que
muchos de los artistas pop recurren al grabado que favorece ese efecto, en
especial a la litografía y a la serigrafía. Sus principales componentes son Roy
Linchestein, Andy Warhol, Jasper Jons y David Hockney.
C.2 Hiperrealismo.
Se entiende como una
prolongación o evolución natural del Pop Art. En particular, los retratos e imágenes
Pop, poseen el atractivo de ser similares a la realidad debido a su origen
(muchas de estas imágenes, como los retratos de Andy Warhol se obtuvieron directamente
de fotografías) aunque con un lenguaje propio, la mayoría de las ocasiones
reducciones de color, dos o tres tonos saturados con el retrato en negro. El
grado de iconicidad de una obra, es decir, su parecido con la realidad comenzó
a valorarse y eso produjo el nacimiento del Hiperrealismo, un movimiento cuyo
objetivo era conseguir el mayor parecido posible con la realidad, hasta límites
nunca alcanzados anteriormente. Es, por tanto, una vanguardia de alto poder
técnico y de una meticulosidad exagerada en su ejecución. La fotografía fue su
principal competencia, aunque siempre trató de distanciarse produciendo
imágenes que no pudiesen ser fotografiadas, escenarios imposibles, ángulos
forzados, etc. con lo que consiguió su propio terreno en el Arte.
D. TENDENCIAS
CONCEPTUALES
D.1 Arte Conceptual.
Aunque se puede considerar que el Arte Conceptual nació con el dadaísmo, no fue hasta algo más tarde que se desarrollara como una vanguardia independiente. Sin embargo, comparte muchas de las premisas dadaístas, sin cuya existencia el Arte Conceptual no tendría razón de ser. Es una vanguardia de denuncia hacia una sociedad poco concienciada y crítica con lo que ve en salas y museos, y trata de incitar a la reflexión y a cuestionar aspectos muy afianzados relativos al mundo artístico y a su mercado.
Aunque se puede considerar que el Arte Conceptual nació con el dadaísmo, no fue hasta algo más tarde que se desarrollara como una vanguardia independiente. Sin embargo, comparte muchas de las premisas dadaístas, sin cuya existencia el Arte Conceptual no tendría razón de ser. Es una vanguardia de denuncia hacia una sociedad poco concienciada y crítica con lo que ve en salas y museos, y trata de incitar a la reflexión y a cuestionar aspectos muy afianzados relativos al mundo artístico y a su mercado.
una y tres sillas (kosuth)
D.2 Happenings.
Expresión del Arte
conceptual que se puede considerar independiente. Consiste en realizar una acción,
un evento, una actividad que, en sí misma, como acto, se considera una obra de
Arte.
Suele tener un guión,
parecido a una obra de teatro aunque se da mucho la improvisación del artista.
Se puede dar en diferentes contextos, involucrando en muchas ocasiones al
público. Allan Kaprow fue el primero en utilizar el término happening en 1957
en una convención artística para describir algunas de las piezas a las que
habían asistido.
Autor:
Allan Kaprow
D.3 Body Art.
El Body Art comparte
ideas del Arte Conceptual y del Happening, aunque se centra en especial en el
cuerpo humano. Reflexiona acerca de él y lleva a cabo sus manifestaciones
mediante el propio cuerpo. Sus temas son eminentemente sociales, sexuales o de
contraposición del cuerpo masculino y femenino. Uno de sus baluartes es Bruce Nauman
Sex and Death .Tubos de neón montados sobre
aluminio (Bruce Nauman)
D.4 Land Art.
Corriente artística
surgida a finales de los años sesenta en Estados Unidos que tiene como fin trasladar
el trabajo artístico a los espacios naturales, los cuales son transformados por
el pensamiento y acción del artista. Generalmente las piezas adquieren enormes
dimensiones y su presentación en las galerías suele llevarse a cabo con una
extensa documentación de fotografías, videos y textos. Una pareja artística que
se encuadra en esta vanguardia son Christo y Jeanne-Claude o aunque se da mucho la improvisación del artista.
Se puede dar en diferentes contextos, involucrando en muchas ocasiones al
público. Allan Kaprow fue el primero en utilizar el término happening en 1957
en una convención artística para describir algunas de las piezas a las que
habían asistido.
La cortina colgando en el Rifle Gap, Colorado.
(Christo y Jeanne-Claude)
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