Realismo. La primera vanguardia
Angélica Porras Pimentel
Realismo es un término que, además de utilizarse para denominar ciertos movimientos artísticos reactivos contra el romanticismo en literatura (literatura del realismo) o pintura (pintura del realismo) -ambos originados en la Francia de mediados del siglo XIX y continuados en el naturalismo literario y pictórico posterior-; tiene una dimensión genérica que permite identificar un realismo artístico como una postura estética o de teoría del arte que identifica arte y realidad.
Esta postura se plasma en diversas formas de representar la realidad o naturaleza de una manera imitativa (mimesis), por lo que también se la denomina naturalismo (de forma equívoca con otros usos de naturalismo en el arte).
Como objetivo o pretensión, la postura o perspectiva realista es compartida en rasgos generales por toda clase de arte figurativo; pero también por la literatura, e incluso por la música programática o descriptiva. En las artes plásticas (escultura y de forma especialmente trascendente para la pintura, dadas sus especiales convenciones -la reducción a lo bidimensional-) puede cumplirse con muy distintos grados, desde las fronteras de la abstracción hasta el trampantojo.
Ese enfoque realista del arte se ha dado en muy distintos estilos y épocas históricas a lo largo de la historia de la pintura y la historia de la escultura; y en cuanto a su distinto tratamiento en cada una de las escuelas nacionales, ha sido propuesto como una de las características definitorias, a lo largo del tiempo, de la escuela española frente a la escuela italiana y la escuela flamenca.
Frente al arte italiano, creador de perfecciones y bellezas, buscador de la suma en que se unen las notas que un individuo no puede presentar nunca fundidas, idealista, en fin, la estética española exalta el supremo valor del individuo como tal , esta es la verdadera raíz de nuestro realismo, palabra equívoca que también se ha empleado para calificar cosas muy distintas. Mas no es el nuestro un realismo objetivo y frío que refleja las cosas del mundo como pudiera reflejarlas un espejo; este sería el realismo de los flamencos primitivos o de los holandeses.
El arte realista puede definirse, en cuanto a su contenido, como el que representa los temas "de acuerdo con reglas seculares y empíricas" de modo que tales temas sean "explicables en términos de causas naturales, sin recurso a intervención sobrenatural o divina"; considerando la existencia de una realidad objetiva en tercera persona, sin embellecimiento o interpretación (como hacen los enfoques idealistas del arte: el idealismo artístico, concepto con el que se contrapone).
Pintura Realista
En las décadas centrales del S. XIX, el Romanticismo y su idealización
de la historia, de la sociedad y sobre todo de la naturaleza, cuyo tratamiento
era un motivo de evasión, deja paso a una corriente que se interesa por la
realidad.
El realismo surge después de la revolución francesa de 1848. El desencanto
por los fracasos revolucionarios hace que el arte abandone los temas políticos
y se concentre en temas sociales. La industrialización determinó la
desaparición del artesanado y la formación de una numerosa población obrera
acumulada en los centros urbanos. Con ello, las condiciones de vida económica y
social sufren una alteración profundísima, que se refleja en las ideologías.
Los artistas toman conciencia de los terribles problemas sociales como el
trabajo de niños y mujeres, los horarios excesivos, las viviendas insalubres y
consideran que deben denunciar estas lacras.
Quiénes mejor manifiestan este cambio son los paisajistas de la Escuela de Barbizón, que a través del
paisaje transmitieron la conquista de la realidad. La escuela fue creada por
Rousseau y la integraron un grupo de artistas que se propusieron construir un
tipo de pintura diferente. Realizaron un estudio objetivo y directo de la
naturaleza plasmando los sentimientos que ésta les despertaba. A ellos les
debemos el inicio de la práctica de pintor al aire libre, pues tomaban sus
apuntes directamente de la naturaleza y luego ejecutaban sus obras definitivas
en el estudio.
Jean François Millet (1841-1875), hijo de
campesinos pobres, fue uno de los máximos representantes de la Escuela de
Barbizón. Se distinguió como paisajista, pero en sus paisajes no olvida nunca a
los campesinos, humildes, cabizbajos, pesimistas y redimidos por el trabajo. Es
el mejor intérprete de la vida campesina y del hambre y la miseria que éste
trae consigo. Contempló de cerca la situación en la que vivía, pero no la
denunció en sus pinturas, sino que la representó tal y como era, plasmó la
realidad. Sus obras más características son Los Gavilladores, El Ángelus, Los
canteros, La costurera, La colada y Las espigadoras.
En esta última, muestra el trabajo rural, pero haciendo hincapié en lo
social. Tres campesinas ataviadas con la vestimenta típica normanda recogen
inclinadas los restos de la cosecha, el trabajo más duro y menos reconocido
entre las tareas rurales. Sus posturas reflejan la fatiga que provoca su labor.
Los personajes se sitúan en primer plano elevándolos a la categoría de héroes y
la iluminación infiere dramatismo a toda la escena.
Las pinturas de Gustave Courbet
(1819-1877) suscitaron enormes polémicas por su selección de temas vulgares
como Un entierro en Ornans (1849) y por sus ideas pragmáticas sobre el arte.
Ornans es su pueblo natal. Este entierro es una de las obras en las que más
claramente aparece una manera nueva de ver la realidad. El tema se podía haber
tratado solemnemente, pero lo hace de forma peculiar, es un cuadro desolador.
Se trata de un entierro en un pueblo al que asisten los aldeanos y el clero y
apenas hay diferencias entre ellos, en un intento de hacer crítica. Al
contrario que en los cuadros que representan entierros y en los que está
presente lo religioso invocando el más allá, aquí todo es deprimente, no se
espera ni se cree nada.
Una de sus obras más significativas, que denotan el modo de ser del
autor, es El Taller (1855). Aquel año, no siendo admitido por el jurado en el
Salón, inauguró una exposición particular paralela a la Exposición Universal y
allí exhibió su enorme lienzo. En el cuadro resume su mundo social. Courbet
aparece en el centro dando los últimos retoques a un paisaje de su tierra
natal, un muchacho mira como pinta y detrás del artista está su musa, un bello
desnudo de mujer que personifica sus modelos vivientes. A la derecha, sus
amigos, los artistas, y a la izquierda, los miserables y quienes viven
explotando su miseria.
Otras obras son Buenos días, señor Courbet (1854), Jóvenes a orillas del
Sena (1856-57), La Siesta (1866), Mujer en las olas (1866), Las Bañistas
(1853). Cultivó el desnudo femenino con gran libertad e incluso a veces con
total impudor. Su trayectoria artística se mezcla con su actividad política,
llegando a ser director de Bellas Artes durante el periodo de La Commune de
1871. Al término de esta experiencia revolucionaria tuvo que exiliarse en
Suiza, donde falleció en 1877.
Si Millet se muestra conformista con la realidad que le toca vivir, Honoré Daumier (1808-1879) se muestra
crítico y satírico. Se fija en la sociedad y en determinados grupos sociales,
poniéndose al lado de los desfavorecidos. Algunos de sus temas evocan el mundo
de la marginación como Los presos y Los mendigos. En El vagón de tercera clase reivindica la dura vida de las clases
populares en las grandes ciudades. La ternura que despiertan los personajes en
el espectador contrasta con la sofisticación industrial del tren.
En El baño de las muchachas, los personajes son mujeres que se bañan en
el Sena, en plena ciudad. Es una imagen patética. Aparece una muchacha que se
moja los pies acompañada de una serie de personajes amorfos, casi sin facciones
ni rasgos que representan trabajadores. Sus vidas se limitan al trabajo, el
esfuerzo los deforma y les roba su identidad.
También fue un gran difusor de la caricatura, mediante la que hacía
críticas mordaces a la sociedad y al gobierno de Luis Felipe de Orleáns, lo que
le costaría la cárcel.
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